Внимание! Регистрация на наш форум приостановлена. Для связи с администратором, используйте эл. почту

ШАНСОН - ПОРТАЛ   |    ШАНСОН - ПОРТАЛ - ГАЛЕРЕЯ

ШАНСОН - ПОРТАЛ - ФОРУМ

Поиск по Шансон - Порталу >>>






Вернуться   Шансон - Портал - форум > Разное > Музыка других стилей

Музыка других стилей Обсуждаем любую современную музыку (кроме шансона)

Ответ
 
Опции темы
  #51  
Старый 08.07.2008, 13:56
Аватар для haim1961
haim1961 haim1961 вне форума
Администратор
Ветеран форума
 
Регистрация: 29.01.2008
Адрес: Израиль.г Нетания
Сообщений: 2,170
По умолчанию

Tony Macalpine

Тони Макальпин

Название: тм1.jpg
Просмотров: 36

Размер: 3.5 Кб
На сегодняшний день Тони Макальпин несомненно один из лучших гитаристов мира, но его приверженность к чисто инструментальной музыке и негритянское происхождение не дали ему пока возможности обрести тот успех, которого он заслуживает.
Тони Макальпин родился 29 августа 1960 года в городе Спрингфилд, штат Массачусетс. В пять лет он стал обучаться игре на пианино, с двенадцати лет начал играть классические вещи, в 17 поступил в музыкальный колледж в Блумфилде, а в 20 создал свою первую группу и стал работать в качестве сессионного музыканта.
Основавшись в Сан-Франциско, играл в группе Lodestar, пока не попал на заметку к шефу фирмы Шрапнель рекордз Майку Уорни. Уорни известен тем, что помогает молодым гитаристам выпускать альбомы и дал уже путевку в жизнь не одной суперзвезде, в том числе и Ингви Мальмстину.
Дебютный альбом Макальпина вышел в 1986 году и назывался Edge Of Insanity. На нем Тони помогали два известных музыканта - басист Billy Sheehan (экс Tales, UFO) и ударник Steve Smith (экс Джорни). Пластинка пользовалась успехом и фирма Фонограм перекупила права на Макальпин у сравнительно небольшой Шрапнель рекордз.
Тони стал работать над вторым диском со своими друзьями, среди которых были: гитарист George Lynch (Dokken), Jeff Watson (Night Ranger) и ударник Deen Castronova (Wild Dogs). Одновременно Тони предложили участвовать в проекте МАРС, куда кроме него вошли басист Rudy Sarzo, ударник Tommy Aldridge и вокалист Bob Rock. Альбом Project: Driver вышел в 1987 году и наделал много шума. Но будущего у группы не оказалось: Сарзо и Олдридж перебрались в Уайтснейк, а Рок ушел в Джошуа.
В настоящее время Макальпин работает над своим очередным диском, где планируются не только инструментальные вещи, но и песни.



TONY MACALPINE: НАШ МИР – ЭТО БЕЗГРАНИЧНЫЙ ИСТОЧНИК ВДОХНОВЕНИЯ


Согласитесь, далеко не каждый музыкант, достигший нежного 15-летнего возраста, удостаивался публикации в серьёзном специализиро-ванном издании. А начинающему гитаристу из Калифорнии Тони Макал-пайну (Tony MacAlpine) это удалось. Состоялось знаковое событие в 1985 году в культовом журнале «Guitar World», а автором публикации был знаменитый «открыватель гитарных талантов» Майк Варни (Mike Varney). Благодаря своему таланту, неординарному композиторскому мышлению и высочайшей технике игры молодому музыканту удалось спустя пару лет после стремительного дебюта продать альбом гитарной инструментальной музыки тиражом более чем сто тысяч копий, что ста-ло настоящим признанием его неоспоримого мастерства публикой. Но большего признания удостоился гитарист у музыкальных критиков и коллег-музыкантов, которые в силу своего профессионального мышления отлично понимают, что развитие музыки в целом идёт только в том случае, когда она подпитывается идеями неординарных личностей, подобных Тони Макалпайну. Недавно музыкант в составе фьюжн-группы CAB посетил Москву. Музыканты дали несколько незабываемых концертов в столичном джаз-клубе «Le Club», и во время отдыха между выступлениями Тони Макал-пайн любезно согласился ответить на вопросы нашего издания.

MUSIC BOX: Тони, почему, получив классическое образование игры на фортепиано, Вы в дальнейшем в качестве основного инструмента вы-брали гитару?
е-

TONY MACALPINE: Гитара – это второй инструмент, на котором я играл всегда. В пять лет я начал заниматься фортепиано, а через семь лет – мне тогда было 12 – я открыл для себя рок и с головой окунулся в мир гитарной музыки. И остался там навсегда. Но фортепиано из моей жизни никуда не делось, оно только отодвинулось на второй план. Хотя в жизни возможно всякое, и ничто не мешает мне в дальнейшем продолжить музыкальную карьеру в качестве классического пианиста.

MB: А какова история создания Вашего первого альбома?


TM: В записи моей первой сольной пластинки «Edge Of Insanity» принимали участие Стив Смит (Steve Smith), он тогда играл в группе JOURNEY, и Билли Шиэн (Billy Sheehan), басист MR.BIG. Это происходило в одной из самых про-двинутых в техническом отношении калифорнийских студий – Prairie Sun Stu-dios. Руководил процессом лично Майк Варни – президент Shrapnel Records, а за пультом сидел великий звукоинженер Стив Фонтано (Stephen M. Fontano). Альбом мы записали очень быстро, за три-четыре дня. ]

MB: Наверно, мастерство Стива и Билли поспособствовало быстроте и лёгкости записи…

TM: Да. Ведь у них уже до этого был немалый опыт работы в студиях, и они применили его на все сто процентов. А мне в то время едва стукнуло шестнадцать! Играл я уже неплохо, но практически не представлял себя в студии. Мне повезло, я оказался там с настоящими профессионалами. И как результат – мой дебютный альбом, который получился энергичным и по-настоящему «гитарным», где звучание моей гитары не заглушается инструментами маститых товарищей.

MB: Это был Ваш первый опыт работы с Майком Варни. А когда и при каких обстоятельствах вы познакомились?

TM: Дело было в 80-е, я переехал в Калифорнию, в Лонг-Бич, где играл в различных командах, одной из которых была группа LONESTAR. Как-то я от-правил своё демо в журнал «Guitar Player», в котором Майк Варни вёл колон-ку Spotlight Column, посвящённую молодым талантам, – и он обо мне написал. До сих пор храню эту публикацию и отлично помню время её выхода – август 1985-го, прямо перед моим 15-летием! Отличный подарок на день рождения! Материал группы Майк посчитал стандартным, а вот мои гитарные наработки ему понравились, и он предложил мне записать соло-альбом инструменталь-ной гитарной музыки. Причём на своём рекорд-лэйбле Shrapnel Records, ко-торый стремительно набирал обороты. Гитарная музыка тогда переживала пик популярности, и на нём уже вышли первые альбомы, среди которых была пластинка группы STEELER с молодым и начинающим шведским гитаристом Ингви Мальмстином (Ingvi Malmstin)...

MB: А почему именно Стив Смит и Билли Шиэн играли на «Edge Of Insanity»?

TM: Майк Варни, послушав мой материал, захотел, чтобы его студийная реализация была проведена на самом высоком уровне. Поэтому и позвонил Сти-ву и Билли, которых считал одними из лучших инструменталистов современ-ности. В результате Майк нас познакомил и дал полный карт-бланш. Мы немного поджемовали, довольно быстро притёрлись друг к другу, без проблем отрепетировали материал, и работа в студии в таком составе заладилась очень легко. Поэтому и запись прошла быстро и без проблем.

MB: И после его выпуска Вы стали гитарной звездой?


TM: Наверное, можно и так сказать. Как-то сразу пресса стала мной пристально интересоваться. За следующий год я дал интервью в многочислен-ные издания: как в специализированные, такие как «Guitar World», «Guitar For The Practicing Musician», «Guitar Magazine», так и в музыкальные – «Kerrang!», «Metal Hammer» и «Metal Mania». После второго альбома количество интер-вью не уменьшилось, а журнал «Guitar» дал мне обложку. И рецензии на аль-бомы во всех без исключения изданиях были восторженными.

MB: А что является основным источником вдохновения при создании очередного инструментального альбома.

TM: Основного источника нет – есть много второстепенных. Весь наш мир, среда обитания – всё есть безграничный источник энергии, идей, вдохновения. Поездка за город, настройка гитары, чихание и насморк – это всё идеи, которые можно и нужно реализовать в творчестве. Вот сейчас скрипнул этот зелёный стул, и так я могу назвать свой следующий альбом. И музыкальные критики будут увеличивать число печатных знаков, упоминая в своих трудах мой альбом под названием «Скрипящий стул цвета молодого самца канарей-ки». (Смеётся.) Это вам не «Ovo» или «Up» Питера Гэбриэла (Peter Gabriel)!

MB: Почему на каждом альбоме звучит произведение Фредерика Шопена, исполненное на фортепиано?


TM: В те годы я действовал несколько неосмотрительно, как сейчас я это по-нял. Хотя всё происходило по зову сердца и творческой души. Я всегда пытался (правда, весьма скромно) реализовать свои амбиции классического пианиста и отдать дань гениальным произведениям великих композиторов. Шопен (в особенности его прелюдии) всегда были моей фортепианной слабо-стью. Начиная с пьесы «Prelude 16, Opus 28», которую я включил в свой дебютный альбом, стало традицией на каждом следующем играть очередное классическое произведение. Но впредь я больше не стану включать в альбомы произведения Шопена, а только свои.

MB: Почему?

TM: Я хочу записать альбом классических пьес, сыгранных мною на фортепиано. Вероятно, это будет компиляция из произведений Шопена, а также Моцарта, Листа, других композиторов и, конечно же, мои произведения.

MB: А нет желания сыграть любимого Шопена на гитаре в шред-варианте, подобно тому, как басист Маркус Миллер (Marcus Miller) сыграл хип-хоп-вариант «Лунной Сонаты» Бетховена?

TM: (Смеётся.) Нет, там будет звучать только классическое фортепиано.

MB: Какая музыка Вам наиболее близка: неоклассический RING ON FIRE, прогрессивный PLANET X или джазовый CAB?

TM: Близко мне всё, что нравится и привлекает моё искушённое внимание. Каждый из этих проектов позволяет максимально полно реализовать творче-ские амбиции. В каждом из них я нахожусь в компании музыкантов высочайшего уровня, поэтому не могу позволить себе работать вполсилы, что безус-ловно стимулирует моё музыкальное развитие, рост как творческой единицы. Это позволяет мне, находясь в творческом поиске, постоянно двигаться вперёд. Главное, чтобы меня вдохновлял на исполнение и сам материал. Важно также, насколько органично я могу вписаться в тот или иной музыкальный проект. У меня нет чёткого разграничения интересов между стилями и жанра-ми, также и между написанием музыки для инструментального альбома или рок-группы. Мне доставило огромное удовольствие сочинять музыку для со-ло-альбома замечательного вокалиста Марка Боулса (Mark Boals) и наблю-дать, как она ложится на его лирику, и что с ней происходит, когда она обогащается голосом певца. Удивительные метаморфозы! Ещё я хочу сказать о музыке, которую слушаю (это происходит преимущественно в машине или в гастрольном автобусе). Я не люблю плохой рэп и примитивное кантри, а если рэп, хип-хоп и кантри качественные, то это уже по мне.

MB: А что Вы понимаете под качественным рэпом? Каких-либо конкрет-ных исполнителей?


TM: (Смеётся.) Я в названиях не ориентируюсь, просто выискиваю рэпперскую радиостанцию и слушаю её, если мне нравятся песни: двигаю головой в такт музыке. (Смеётся.) А в целом в бардачке моей машины вы не найдёте какого-либо компакт-диска с подобной музыкой.

MB: Возвращаясь к проектам, в которых Вы играете: каким образом Вам удаётся сочетать работу в них?

TM: Проекты RING OF FIRE и PLANET X пока особо много времени не зани-мают, так как новых студийных альбомов и следующих за их выходом промо-туров в ближайшее время не запланировано. Так что мне приходится распределять всё время для гастролей квартета CAB, группы Стива Вая (Steve Vai) и моей инструментальной группы. А этим летом, например, CAB планирует записать двухчасовой материал – сборник Live-композиций из предыдущих альбомов, композиции Банни Брунела (Bunny Brunel), написанные им для проекта L.A.ZOO, а также оригинальные трактовки моих авторских пьес из сольных альбомов «Chromaticity», «Maximum Security» и других.

MB: Вы упомянули Стива Вая. Сотрудничество неординарных гитаристов всегда интересно публике. Вы ведь выступаете в роли клавишника и гитариста в его концертном составе. Чем отличается Ваш подход к гитарной игре от подхода Вая?


TM: На Стива Вая очень сильно повлиял Фрэнк Заппа (Frank Zappa), с кото-рым Стиву выпала честь поработать. В результате мы имеем дело с уникаль-ным методом звукоизвлечения, построения музыкальных фраз и неординар-ным исполнением. Я тоже с воодушевлением слушал Фрэнка Заппу и кое-что у него перенял, но на меня всё же оказали большее влияние различные груп-пы арт-рока, прогрессива и джаза. Также мои композиторские способности формировались под влиянием классической музыки, её монументальности, сложности и совершенства. Я благодарен судьбе (и родителям) за то, что в детстве у меня была возможность впитывать дух этой музыки в постоянных занятиях. И вот я перед вами со СВОИМ уникальным стилем, со своими особенностями, которые вкупе с гитарным гением Стива Вая дают превосходный результат.

MB: Есть ли музыканты, с которыми Вам наиболее комфортно работать?

TM: Я играл со многими известными исполнителями, и с каждым было удобно и интересно сотрудничать. Но САМЫХ-САМЫХ нет. И трудно кого-то с кем-то сравнивать. Например, одну ритм-секцию с другой. На дебютном альбоме это были Стив Смит и Билли Шиэн, на одном из следующих Дин Кастроново (Deen Castronovo) и Тони Фрэнклин (Tony Franklin), тоже замечательные музыканты. Когда возник проект CAB, то барабанщиком стал Дэннис Чемберс (Dennis Chambers). Теперь в составе Вёрджил Донати (Virgil Donati), с которым мы прошли вместе через несколько интереснейших проектов. И как мож-но сравнивать музыкантов такого уровня, говорить, что этот сыграл, скажем, композицию CAB «Night Splash» хуже или лучше? И я не задумываюсь об этом: не нужно жить прошлым, нужно искать новые контакты, проекты, новых музыкантов-единомышленников. Именно единомышленников, соратников. Нужно совместными усилиями делать настоящую музыку, способную вызывать отклик в сердцах слушателей. Я очень ценю помощь моих коллег. Как правило, она здорово сказывается на качестве записанного материала. Я уверен, что своим успехом альбом «Maximum Security» (самое большое моё коммерческое достижение) обязан гениальным гитарным соло моего друга Джорджа Линча (George Lynch), который нашёл время для помощи в его создании в перерывах между гастролями своей группы DOKKEN.

MB: В чём заключается совершенствование Вашего гитарного мастерства? Как Вы развиваете свои способности?


TM: Я почти не занимаюсь в общепринятом понимании этого слова. Гаммами, аппликатурами и прочими упражнениями я занимался, когда только начинал играть на гитаре. Сейчас потребности в этом нет, ибо постоянные репетиции, разучивание новых песен, активные выступления и мастер-классы полностью восполняют возможные пробелы в занятиях.

MB: Кстати, о занятиях. Вы выпустили несколько инструкционных видео. Что это были за издания?

TM: Первое своё видео я выпустил при содействии Майка Варни в 1990 году, оно называлось «Shrapnel Guitar Lessons With Tony MacAlpine». Потом в 1992 году вышло видео «Star Licks Master Sessions With Tony MacAlpine». В 1996 была ещё одна публикация – «Live In L.A. at Musician Institute», где я даю мастер-класс студентам крупнейшего учебного заведения Америки, которое находится в Голливуде, штат Калифорния.

MB: Что представляет собой альбом «Shrapnel Years»?


TM: Это сборник наиболее удачных, на мой взгляд, композиций, написанных мною за весь период сотрудничества с Майком Варни и его компанией Shrap-nel Records. Кстати, как я слышал, и другие гитаристы лэйбла выпускают в ближайшее время сборники под эгидой «Shrapnel Years», например Винни Мур (Vinnie Moore).

MB: Будет ли возрождён наделавший много шума суперпроект M.A.R.S., в котором Вы участвовали в конце 80-х наряду с басистом Руди Сарзо (Rudi Sarzo), барабанщиком Томми Олдриджем (Tommy Aldridge) и вока-листом Робом Роком (Rob Rock)?

TM: Этот проект был хорош для своего времени, когда популярность скоростного хард-н-хэви с доминирующей гитарой достигла своего апогея. Сейчас вряд ли нужно думать о возрождении такой формации. Это пройденный этап, нужно двигаться дальше.

MB: Отличается ли реакция публики на Вашу музыку в Европе, Америке и Японии? Какая публика лучше понимает более сложную музыку?

TM: Если говорить о CAB, то публика везде воспринимает нас одинаково позитивно и радостно, будь то клуб в Нью-Йорке, Париже или Москве. Что касаемо рок-музыки, европейские и американские слушатели похожи друг на друга по своему поведению на концертах того же Стива Вая – они быстро «заводятся» и активно показывают свой восторг. Хотя американцы более избалованы. А в странах Восточной Европы рок-публика более спокойная, терпеливая и меньше шумит в перерывах между песнями.

MB: А как Вам русские меломаны?

TM: Совет русским: курить надо бросать! И здоровью вредит, и нам, музыкантам некурящим, мешает вечная дымовая завеса. Я, честно говоря, здорово напрягаюсь, когда в клубе, где звучит джаз, здорово накурено.

MB: Как Вы думаете, происходит ли какое-либо развитие музыки в настоящее время?


TM: Я лично не вижу никакого прогресса, и мне кажется, что его в ближайшее время не предвидится. Но музыка никуда не денется. Инструментальная музыка возвращается на ту ступень развития, на которой была в 70-е и 80-е годы: фьюжн, арт-рок, прогрессив. Брутального стало меньше – навязчивые финны потихоньку «сдуваются» и уже не являются «новостью дня». Что касается альтернативы – лучше чем KORN пока никто из альтернативщиков не играет. В рэпе и хип-хопе уже тоже давно всё сказано. Электронная музыка активно интегрируется в диджейскую и сэмплерную, а ничего сверхнового не появляется. Но остаётся старый добрый джаз, а вот он, я уверен, имеет все предпосылки к развитию. Ибо мастерство музыканта, его желание по-своему сыграть джазовый стандарт, его сущность импровизатора и творца поможет в конечном итоге музыке выжить в этих непростых для неё условиях.

Благодарю за помощь в проведении интервью Игоря Бутмана, Романа Христюка и Татьяну Зайцеву.



12.04.2006
Постоянный адрес статьи : [Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации] Валерий КУЧЕРЕНКО
по материалам интернет сайтов
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]

*******************************
Миниатюры
macalpine_HKsml.jpg   tonymacalpine5tf.jpg  
Изображения
  
Ответить с цитированием
  #52  
Старый 08.07.2008, 16:31
Аватар для haim1961
haim1961 haim1961 вне форума
Администратор
Ветеран форума
 
Регистрация: 29.01.2008
Адрес: Израиль.г Нетания
Сообщений: 2,170
По умолчанию

Larry Carlton

1948год рождения


[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
Имя Ларри Карлтона вызывает много воспоминаний. Он был одним из востребованных студийных музыкантов Лос-Анжелеса в 1970-х, и его послужной список включает в себя более 100 золотых альбомов таких артистов как Joni Mitchell, John Lennon и Michael Jackson. Не менее успешно он работал над саундтреками для телевидения и кинематографа, получив 1981 году Grammy за тему к "Hill Street Blues". Если и этого недостаточно, то он записал более 20 сольных альбомов, доказав, что его влияние на гитарное сообщество неизмеримо. И кто может забыть его выдающуюся работу со Steely Dan -- его соло в "Kid Charlemagne" до сих пор одно из лучших когда-либо записанных в роке соло.

Отблеск его славы падает и на микшеры Mackie. Конечно, микшеры Mackie не настолько однозначно ассоциируются с Карлтоном, как его гитара, но эта самая гитара достаточно много работает в его домашней студии вместе с пультом Mackie 24o8. От демо-записей на стадии pre-production до вписывания секвенсорных партий в свои записи - Карлтон может делать дома при помощи 24o8 все, что угодно, оттачивая каждый нюанс своих композиций перед выпуском готовой работы.

Насколько проработанны эти демо? "Достаточно проработанны в большинстве случаев", - отвечает Карлтон, - "Как только я начинаю писать песню, я уже слышу аранжировку. Я прописываю партии струнных, затем, быть может немного ударных. Когда я приношу демо в студию и показываю другим музыкантом, они могут точно представить, что будет происходить. Я думаю, подробное расписывание аккордов и запись проработанных демо - и есть метод работы Ларри Карлтона".

Проработав в музыкальном бизнесе более тридцати лет, Карлтон не выказывает никаких признаков усталости. В 2000 году он выпустил свой двадцатый сольный альбом "Fingerprints", и отправился вместе гитарным асом Стивом Лукатером в трехнедельное турне по Японии, по итогом которого в 2001 году был выпущен диск "No Substitutions". На этом концертном альбоме два легендарных гитариста прошлись по карлтоновской классике "Don`t Give It Up" и "Room 335", а также устроили потрясающий диалог на вещи Джеффа Бека "The Pump" и композиции Майлса Дэвиса "All Blues." Затем он выпустил на Warner Bros свой очередной сольный альбом "Deep Into It".

Карлтон находится в превосходной форме как автор и гитарист, и его последние работы демонстрируют это, а также еще одну важную вещь - он расслаблен. В его игре чувствуется более высокий уровень уверенности в себе и душевность, которые приходят только вместе с жизненным опытом, а также абсолютное понимание того, что он хочет от своей музыки. "Если честно, я больше не думаю, когда играю", - признается Карлтон, - "Я просто читаю с листа смены аккордов и играю. Я рад, что это звучит расслабленно. Я дорос до этого после сорока шести лет игры на гитаре - я просто играю".

В турне Карлтон по-прежнему использует свои старые верные гитару и усилитель, в компании с которыми появился пульт Mackie 1604-VLZ PRO. Карлтон снимает гитарный сигнал с усилителя микрофоном Shure SM57, подключенном к Mackie 1604-VLZ PRO. Затем сигнал идет через посылы AUX пульта на процессоры эффектов, а сигнал подается на пару активных сценических микрофонов. "Звук моего ревербератора основан на звуке, снятом микрофоном с динамика, а не на выходе с предусилителя", - объясняет Карлтон, - "Я использую свой пульт Mackie, так же, как в студии - так что на мою обработку (ревербератор и хорус) подается сигнал с микрофона"

Что поддерживает в Ларри Карлтоне такую же страсть к музыке, что и тридцать лет назад? "Когда приходит время играть на гитаре, это самое вдохновляющее из всего, что я могу делать", - отвечает Ларри, - "Это продолжается потому что мое стремление делать музыку основывается на этой страсти, а не на чем-то другом. Мой подход к жизни потому имеет стойкий фундамент, что мой мотив - это постоянное стремление делать лучшую музыку, на какую я только способен"
по материалам интернет сайтов

[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
Миниатюры
Larry Carlton.jpg  
Изображения
 
Ответить с цитированием
  #53  
Старый 08.07.2008, 17:17
Аватар для haim1961
haim1961 haim1961 вне форума
Администратор
Ветеран форума
 
Регистрация: 29.01.2008
Адрес: Израиль.г Нетания
Сообщений: 2,170
По умолчанию

EMERSON, LAKE AND PALMER


[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
* Кит Эмерсон (2 ноября 1944) — клавишные

* Грег Лейк (10 ноября 1947) — вокал, бас-гитара, акустическая гитара

* Карл Палмер (20 марта 1950) — ударные


На троих

При упоминании о группе EMERSON, LAKE AND PALMER у многих вытягиваются лица. Уж слишком серьезную славу снискало это трио - этакие мрачные люди с консерваторским образованием и помешательством на классической музыке. Так отчего ж этот коллектив популярен и спустя три десятилетия после его создания?

Ну скажите - разве серьезные люди могли задаться целью скрестить рок с классикой на уровне "дым из ушей"? Парни умели веселиться - иногда это у них получалось даже при минимальных затратах умственной энергии. Вот, к примеру, как-то раз Кит Эмерсон завел длинное органное соло на своем "Hammond", а его коллеги отправились за кулисы отдохнуть. Минут эдак через двадцать, выглянув на сцену, они увидели обычное зрелище: Кит раскачал свой орган и играет вовсю, описывая дуги на пару с любимым инструментом. Все бы ничего, да вот только пора было бы уже и закругляться. Добровольным посланцем был назначен техник коллектива, каковой, зная крутой нрав органиста, заканючил: он, мол, меня уволит. Тогда Палмер показал увесистый кулак и сказал: "Если не пойдешь, тебя уволю я". Пришлось пойти. И вовремя, так как оказалось, что подлый "Hammomd" защемил пряжку эмерсонова ремня, и последние десять минут Кит пытался вырваться на волю, не потеряв при этом лицо. Вот вам и скучные парни!
А по поводу классического образования - гнусный навет, не было такого! Но давайте начнем с самого начала. ELP были одной из первых супергрупп. (Раньше понятие "супергруппа" подразумевало под собой то, что каждый член коллектива был звездой уже на момент его создания.) Скорее всего, троице следовало бы присвоить номер три - если первыми считать CREAM, а вторыми - BLIND FAITH.
Ну так вот, к 1970 году гитарист, басист и вокалист Грег Лейк был глобально недоволен жизнью: еще бы - он на пару с Робертом Фриппом сотворил диво дивное под названием KING CRIMSON, а тут вдруг Боб надумал стать лидером и Лейка оттеснить. Грег выполнил свой долг перед Фриппом и, заручившись поддержкой штатного поэта группы Питера Синфилда, гордо ушел, чтобы создать новый ансамбль. Единомышленника-земляка он встретил в Сан-Франциско, где CRIMSON выступали на пару с квартетом THE NICE, у руля которого стоял Кит Эмерсон. THE NICE прославились тем, что кроме собственных опусов интерпретировали классику и джаз, да так бойко, что Леонард Бернстайн, услышав их обработку своей "America", просто офонарел. Барабанщик Карл Палмер на тот момент прогремел - буквально! - в команде большого эксцентрика Артура Брауна и в составе ATOMIC ROOSTER. Призванный Китом и Лейком, Карл моментально вписался в концепцию нарождающегося коллектива.
Так как Лейк намеревался по кримзоновской привычке петь и басить, встал вопрос о приглашении гитариста. Желающий имелся. Этот кандидат намеревался отбросить свои психоблюзовые дурачества в пользу классики, но, не успев присоединиться к трио, отбросил коньки. Звали покойного Джими Хендрикс. Окончательное решение по поводу превращения ELP в HELP должны были принять после знаменитого фестиваля на острове Уайт, на котором выступили и ELP, и Джими, но...
На острове Уайт троица представила нечто ошеломительное - арт-роковую версию "Картинок с выставки" Мусоргского. Вы можете представить это произведение в исполнении всего трех человек? "Картинки" были поначалу общим знаменателем для музыкантов, любимым всеми тремя. Кроме Мусоргского на концертах игрались "Rondo A La Turk" Дэйва Брубека да опусы CRIMSON и NICE, но помаленьку появились и новые творения. В первый, названный по имени группы, альбом 1970 года вошли и органно-фортепианная сюита Эмерсона "The Three Fates", и акустическая баллада Лейка
"Lucky Man", и пьеса "The Barbarian", в которой были использованы мотивы Белы Бартока. Экзерсисы музыкантов - судя по высокому положению пластинки в хит-параде - оценила не только утонченная публика. На волне успеха и вдохновения троица выдохнула концептуальный альбом "Tarkus" и только затем дала залп из тяжелых орудий: 26 марта 1971 года в Ньюкасле была записана программа "Pictures At An Exhibition" - те самые "Картинки", но уже вдумчиво обработанные и дополненные фрагментами собственного сочинения и текстами. Публика никак не отпускала трио, так что на бис ELP вдарили кусочком из "Щелкунчика" Чайковского, по ходу дела переименовав "Nutcracker" - "Щелкунчик" - в "Nutrocker" - "Офонаревший рокер". Они на первых порах сами не поняли, что натворили, считая, что не стоит выпускать запись концерта отдельной пластинкой - ну, в крайнем случае, приложить бесплатный диск к "Tarkus"... Лишь позже пришло осознание всей важности "Pictures" как для рока, так и для классики.
Резко возросшая популярность коллектива выразилась и в притоке финансов, которым было найдено достойное применение: Эмерсон, Лейк и Палмер учредили собственную фирму грамзаписи Manticore, названную в честь чудовища - одного из персонажей "Tarkus" - и существующую и по сей день. Все бы хорошо, да вот только, вложив все силы в прорыв, команда несколько опустошила коробочку своей фантазии. Новые пластинки были хороши, но все же уступали в красоте первым. Выпущенные соответственно в 1972 и 1973 годах "Trilogy" и "Brain Salad Surgery" оказались менее "съедобными", менее мелодичными. Не помогала даже классика: переработанная в "Abbadon's Bolero" мелодия Равеля распознавалась с трудом, хотя, с другой стороны, "Hoedown" Аарона Копленда удалась на славу; чуть позже ELP дадут жару еще одной коплендовской зарисовкой - "Fanfare For The Common Man". Публика охотно признавала мастерство коллектива даже в самых трудных произведениях - таких, как Первый фортепианный концерт Альберта Хинастеры, - однако особого удовольствия от них не получала, хотя концерты трио проходили с огромным успехом.
Так что логичным шагом выглядел выпуск в 1974-м тройного (!) "живого" альбома с длинным названием "Welcome Back My Friends To The Show That Never Ends, Ladies And Gentlemen - EMERSON, LAKE AND PALMER", который вобрал в себя развернутые версии всего лучшего, что ансамбль сотворил на тот момент. Куда дальше? Некуда. Тупик. И музыканты решили на время разойтись. Лейк явил себя публике на Рождество 1975 года, когда сочиненная им и Синфилдом песенка "I Believe In Father Christmas" взлетела на второе место хит-парада. Вышедший чуть позже сингл Эмерсона "Honky Tonk Train Blues", в записи которого принял участие гитарист EAGLES Джо Уолш, удостоился всего лишь 21-й позиции. Свежей мыслью показалась идея выпустить под вывеской ELP сборник сольных творений членов трио. Выпустили. На дворе стоял 1977-й, над Англией царил панк. А тут - Эмерсон со своим фортепианным концертом в сопровождении Лондонского филармонического оркестра, Лейк с не слишком оригинальными балладами да палмеровские обработки скифских мотивов Прокофьева - наиболее близкие к року из всего музыкального ассорти... Короче, альбом "Works" фурора далеко не произвел. Как и "Works, Vol. 2" того же года - несмотря на то, что в него вошли посетившие хит-парад песни Кита и Грега. Выпущенный год спустя агонизирующим трио диск "Love Beach" поставил в истории ELP неуверенную точку.
Эмерсон стал писать музыку к кино. Лейк собрал собственный коллектив, гитаристом которого был Гари Мур, и даже сочинил песню на пару с Бобом Диланом. Успешно работал один лишь Палмер, вошедший в состав новой супергруппы - ASIA. В ней ненадолго засветился и Лейк - когда вокалист и басист Джон Уэттон рассорился с менеджментом.
В 1985 году YES, арт-роковые коллеги ELP, снова взлетели на вершины популярности с "Owner Of A Lonely Heart". Лейк с Эмерсоном решили попробовать еще раз, однако Палмер особой заинтересованности не выказал. Пришлось Грегу с Китом решать сложную задачу - искать феноменального барабанщика с фамилией на "П". И надо ж было такому случиться, чтобы как раз в то время из WHITESNAKE уволился ветеран рок-баталий Кози Пауэлл! Диск "Emerson, Lake And Powell" вышел удачным - не более того. Тут распались ASIA, Кози сменил Карл. Но порадоваться поклонники трио не успели: после ссоры с Китом ушел Лейк. Его место занял талантливый американец Роберт Берри, и под именем THREE в 1987-м была выпущена чересчур по-коммерчески звучащая программа "The Power Of Three".
Мир в "семье" наступил только в 1991 году. Через год появился альбом "Black Moon"... Все? Нет. Еще пара пластинок и добротные концерты - и все началось сначала. В прошлом году трио официально объявило о своей кончине.
Грег Лейк начал сольную карьеру. Кит Эмерсон готовится к совместным гастролям с Риком Уэйкманом, а по ходу дела выступил с красой тяжелого фанка Гленном Хьюзом - запись концерта будет издана в 2001-м. Карл Палмер был одним из участников воссоединения ASIA, после провала которого соорудил с Уэттоном коллектив QANGO, исполняющий классику ASIA и ELP. Все трое при деле. Но поклонники все же надеются, что когда-нибудь это дело снова будет одно на троих.

Дмитрий М. ЭПШТЕЙН
Музыкальная газета
по материалам интернет сайтов
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации] (уникальное исполнение)
Миниатюры
220px-EmersonLakePalmer_Album.jpg   elp.jpg  
Изображения
       
Ответить с цитированием
  #54  
Старый 08.07.2008, 18:01
Аватар для haim1961
haim1961 haim1961 вне форума
Администратор
Ветеран форума
 
Регистрация: 29.01.2008
Адрес: Израиль.г Нетания
Сообщений: 2,170
По умолчанию

Fourplay

[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
Fourplay – джазовая супергруппа, составленная из маститых, авторитетных музыкантов. Клавишник Боб Джеймс (Bob James) известен своей сольной карьерой, гитарист Ларри Карлтон раньше играл в Crusaders и работал в качестве сессионного музыканта со Steely Dan и Барбарой Стрейзанд, басист Натан Ист раньше играл с Эриком Клэптоном, наконец, мастер фанкового бита, барабанщик Харви Мэйсон известен совместными работами с Чарльзом Эрландом и Джорджем Бенсоном. Музыка Fourplay строга и консервативна, корифеи джаза явно переросли страсть к экспериментам. Их мягкий и гладкий джаз спокойно приемлет небольшие вкрапления блюза и R&B. Это спокойный, вальяжный джаз для тех, кто привык жить не торопясь..
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]

< Fourplay > была создана в 1991 году, всегда находилась на вершине чартов рок-музыки и джаза, заработав репутацию "современной джазовой супергруппы из Америки".

Участники квартета ранее работали с такими звездами шоу-бизнеса как John Lennon, Eric Clapton, Phil Collins, Madonna, Michael Jackson, Barbra Streisand, Joni Mitchell, Elton John, James Taylor, Stevie Wonder, Seal, Babyface, Steely Dan.
< Fourplay > присоединились к большой семье Bluebird, в числе которой такие мэтры джазовой музыки: Glenn Miller, Tommy Dorsey, Frank Sinatra, Louis Armstrong, Count Basie, Paul...

.по материалам интернет сайтов
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]

*****************************
Миниатюры
4580638_8691499.jpg   9709174_2041391.jpg  
Ответить с цитированием
  #55  
Старый 09.07.2008, 09:34
Аватар для haim1961
haim1961 haim1961 вне форума
Администратор
Ветеран форума
 
Регистрация: 29.01.2008
Адрес: Израиль.г Нетания
Сообщений: 2,170
По умолчанию

Billie Holiday

[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
Блюз, звучащий как исповедь..

Именно так пела Билли. Она умела донести до слушателя глубину переживания, и когда она поет: «My man don't love me...» ей, веришь безраздельно. На джазовой американской сцене было много голосистых певиц, но едва ли хотя бы одна из них поёт о том, что у неё на сердце. Способность Билли Холидей передать подлинное чувство ставит ее в один ряд с лучшими джазовыми музыкантами Америки.
Джеймс Линкольн Коллиер.

илли Холидей родилась 7 апреля 1915 года в Балтиморе. Ее ранние годы окутаны массой легенд: причиной тому стала написанная Билли автобиография "Lady Sings the Blues", содержащая множество неточностей и недомолвок. Одно можно сказать наверняка: детство певицы было непростым и безрадостным. Ее отец Кларенс олидей – гитарист из оркестра Флетчера Хендерсона – так и не женился на матери Билли и рано покинул семью. Мать певицы пыталась работать моделью, но, к сожалению, не слишком преуспела на этом поприще. Билли была нелюбимым и одиноким ребенком. Очевидно, именно это выработало у нее комплекс неполноценности. Недооценивая себя, она была излишне склонна к неоправданному риску. Более или менее достоверные факты из жизни Билли относятся к более позднему времени – с той поры, как молоденькую певичку заметил джазовый продюсер Джон Хаммонд. В то время Билли Холидей пыталась заработать на жизнь пением, выступая в гарлемских клубах. В 1933 году Хаммонд организовал ее совместную запись с Бенни Гудменом (было записано две пластинки), и хотя записи не были полностью распроданы, начало успешной карьере было положено. Спустя два года Билли уже пела в оркестре Тедди Уилсона. Именно там к ней пришел шумный успех. В течение 1935-1942 годов она записывает самые знаменитые свои пластинки, которые ставят ее в один ряд с крупнейшими джазовыми звездами того времени. Холидей старалась объединить свинг Луиса Армстронга и глубоко личное звучание вокала Бесси Смит – в результате на свет родилась ее собственная, свежая и необычная манера исполнения. В 1937 году она выступала втроем с Лестером Янгом и Баком Клейтоном, и их музыкальные диалоги были признаны величайшими шедеврами джаза. В течение 1937 года леди Дэй – леди День, как прозвали Билли Холидей, – выступала с оркестром Каунта Бейси, но так как они были связаны контрактами с разными компаниями звукозаписи, сейчас можно найти только три их совместные композиции, записанные с радиотрансляции. По той же причине почти не осталось записей ее совместной работы с Арти Шоу. Сороковые годы были, пожалуй, наиболее плодотворны для певицы – именно тогда были записаны ее величайшие хиты, такие как "God Bless the Child" (1941), "Lover Man" (самый знаменитый хит), "Don"t Explain," "Good Morning Heartache", "Ain"t Nobody"s Business If I Do," "Them There Eyes" и "Crazy He Calls Me". К сожалению, в это время она пристрастилась к героину, из-за чего большую часть 1947 года провела в тюрьме. Однако такая печальная слава способствовала интересу публики, ее аудитория существенно выросла. Этому же способствовало и ее участие в фильме "Новый Орлеан", где она, хоть и играла скромную роль горничной, тем не менее, пела вместе со своим давним кумиром Луисом Армстронгом. 1950-е годы стали для Билли Холидей годами постепенного падения. Чрезмерное употребление героина и алкоголя, а также проблемы в личной жизни наложили на нее тяжелый отпечаток; голос постепенно садился, и несмотря на отдельные проблески (такие как записи для Нормана Гранца, начавшиеся в 1952 году) былая популярность уже более никогда не возвращалась к ней, хотя ее совершенно заслуженно продолжали считать одной из величайших звезд джаза. В последнем альбоме "Lady in Satin" голос сорокалетней Билли Холидей звучит как голос восьмидесятилетней старухи, уже с трудом выговаривающей слова. Наиболее печален был финал ее жизни: умирающая певица вновь была арестована за хранение героина. Так она и умерла под домашним арестом 17 июля 1959 года в Нью-Йорке.
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]

[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
Миниатюры
bh.jpg   bh2.jpg   BH22.jpg   billie.jpg  

ss.jpg   пирпав.jpg   пирпавы.jpg   пиртоор.jpg  

TheWebsite.jpg  
Ответить с цитированием
  #56  
Старый 09.07.2008, 18:06
Аватар для haim1961
haim1961 haim1961 вне форума
Администратор
Ветеран форума
 
Регистрация: 29.01.2008
Адрес: Израиль.г Нетания
Сообщений: 2,170
По умолчанию

Ella FITZGERALD

[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
" Я никогда не знал насколько хороши
были наши песни, пока я не услышал как
Элла Фицджеральд ни спела их".
Айра Гершвин




Две с лишним тысячи записанных песен, 13 премий Grammy (последняя - в 73-летнем возрасте), десяток высочайших наград и знаков отличия от рекординговой индустрии, более 40 миллионов дисков, проданных еще при жизни, почти две сотни концертных и студийных альбомов, полувековое главенство на джазовой вокальной сцене Америки - так выглядит пунктирный эскиз выдающейся творческой биографии Эллы Фитцжеральд (Ella Fitzgerald).

Уникальный тембр ее голоса, гибкого и свободного, интонационно безошибочного, с редким диапазоном и обаянием, над которым было не властно время, - этот голос очаровывал людей всех континентов и цветов кожи. Она идеально управлялась со страстными балладами и легким, игривым джазом и отлично умела имитировать любой инструмент в оркестре. Ее творческое наследие отмечено внушительным количеством дуэтов и совместных записей со многими джазовыми и поп-звездами - от Дюка Эллингтона, Луи Армстронга и Нэта Кинг Коула до Фрэнка Синатры, Диззи Гиллеспи и Бенни Гудмена.

Утро 25 апреля 1917 года. Маленький городок Ньюпорт Ньюз, в штате Виржиния. В семье Уильяма (William) и Темпренс (Temperance) Фитцджеральд пополнение - на свет появляется крошечная Элла Джейн (Ella Jane). Будущая "Первая леди песни".

Отца она не помнит, родители развелись вскоре после ее рождения. Вместе с другом матери Джозефом Да Сильвой семья переехала в Йонкерс, штат Нью-Йорк, где в 1923 году у Эллы родилась сестра. Джозеф Да Сильва заменил ей отца. Он подрабатывал шофером и рыл канавы, а мать зарабатывала стиркой белья в прачечной. Элле тоже приходилось искать заработка и по мере своих детских силенок пополнять скудный семейный бюджет. Одно время она даже была на побегушках у местных игроков, подбрасывала монетки на пари и подбирала упавшую мелочь. С мальчишками она запросто находила общий язык, охотно играла в бейсбол, была скорее сорванцом, чем пай-девочкой. А еще очень любила петь и танцевать. Одно из ярких воспоминаний детства - как с компанией друзей она села в поезд и отправилась в Гарлем, чтобы посмотреть концертную программу в Apollo Theater.

В 1932 году Элла потеряла мать, которая умерла от ранений, полученных в автомобильной катастрофе. Она тяжело переживала утрату. Девочку взяла к себе сестра матери, но от депрессии это не спасло, тем более что вскоре от сердечного приступа умер и ее приемный отец. Равнодушие к учебе привело Эллу Джейн на улицу, а проблемы с полицией закончились отправкой в исправительную школу. Смотрители избивали своих подопечных, так что жизнь Эллы превратилась в кошмар. В конце концов ей удалось бежать из-под такой опеки, но идти ей было некуда. Пятнадцатилетняя девчонка оказалась одна, без крыши над головой, в бедствующей Америке, погруженной в хаос Великой Депрессии. Позднее она была даже благодарна лишениям, выпавшим на ее долю, потому что именно они научили ее выживать в любой ситуации и бороться до конца. Они же подарили ей бесценный душевный и эмоциональный опыт, наполнявший ее песни такими искренними, светлыми интонациями.

В 1934 году Элла Фитцжеральд решила посостязаться с другими аматорами в любительском конкурсе, который проводил Apollo Theater. Идея все-таки петь, а не танцевать, пришла ей в последнюю минуту. Она уверенно победила в конкурсе с песней "Judy", которую исполнила в манере своего идола, певицы и актрисы Конни Босуэлл (Connee Boswell). Игравший в тот вечер в оркестре аранжировщик и саксофонист Бенни Картер (Benny Carter), впечатленный талантом юной дебютантки, взялся подготовить фундамент для ее будущей карьеры, в которую сразу поверил. Он знакомил Эллу со всеми, кто мог быть ей хоть чем-то полезен, и мало-помалу стал ей верным другом и коллегой, с которым ей в течение жизни еще не раз придется работать.

Вдохновленная такой поддержкой, Фитцжеральд начинает участвовать (и как правило, побеждать) во всех смотрах талантов, о каких ей только удается узнать. Как вспоминала певица позднее, сдержанная и скрытная в жизни, на сцене она становилась другим человеком. В свете софитов она ощущала себя как дома. Очень скоро она поняла, что хочет петь до конца своей жизни.

Первым профессиональным коллективом, с которым она начала гастролировать, был ансамбль под управлением Чика Уэбба (Chick Webb). Платили ей щедрую по тем временам сумму 12,5 долларов в неделю. Так прошел год, Фитцжеральд большей частью выступала с музыкантами Чика Уэбба во "всемирно известном" гарлемском танцзале "Savoy". Летом 36 года она смогла сделать в студии свою первую сольную запись "Love and Kisses", изданную на лейбле Decca. Успех у пластинки был самый скромный.


К этому времени на подъеме были биг-бэнды, игравшие свинг, в моду входил стиль би-боп. Элла Фитцжеральд оказалась его вдохновенным адептом, во время своих концертов она начала экспериментировать со своим голосом и имитировать духовые инструменты. Ее исполнение песни "(If You Can't Sing It) You Have to Swing It", с импровизациями и вокальными экспромтами, приводило публику в восторг.

За годы своей почти 60-летней карьеры Фитцжеральд, начинавшая как обычная поп-вокалистка, значительно усовершенствовала свою вокальную манеру и превратила скэт (голосовую имитацию инструментов оркестра) в настоящее искусство. Уже первые ее шаги в этом направлении вызвали пристальное внимание профессиональной прессы, и в 37 году редакция журнала "Down Beat" назвала ее лучшей певицей года.

Звездный час Эллы Фитцжеральд наступил в 1938 году. Альбом, включавший игривую и обаятельную песенку "A-Tisket, A-Tasket", попал в число музыкальных бестселлеров, возглавил список продаж и продержался на первой строке 17 недель. Тираж пластинки в Америке перевалил за миллион. Элла стала знаменитостью.

Летом 39 года певица проводила в последний путь своего друга и наставника Чика Уэбба. После его смерти его ансамбль получил новое название - Ella Fitzgerald and her Famous Band. Артистке, хоть и мало сведущей в таких вещах, пришлось возглавить оркестр.

Нуждаясь в человеческом участии, Элла вышла замуж за портового рабочего Бенни Корнигая, который давно добивался этого. Но криминальное прошлое Бенни дало о себе знать, и семейной идиллии не получилось. Они развелись.

Тем временем она уже начинала тяготиться обязанностями руководителя ансамбля. В 1941 году она твердо решила начать сольную карьеру. Работая с тем же лейблом Decca, она записывалась вместе с Луи Джорданом (Louis Jordan), музыкантами Ink Spots и Delta Rhythm Boys, и ее новые пластинки были достаточно популярными. Гастролируя в 1946 году с ансамблем Диззи Гиллеспи (Dizzy Gillespie), она познакомилась с басистом Рэем Брауном (Ray Brown). Вскоре они стали мужем и женой и усыновили мальчика, которого назвали Ray Jr.

Рэй Браун в это время сотрудничал с продюсером и менеджером Норманом Гранцем (Norman Granz), выступая с концертами в рамках тура Jazz at the Philharmonic. Наметанным глазом оценивая талант Фитцжеральд, Гранц убедил ее, что ей предстоит стать мировой знаменитостью, и уговорил участвовать в его проектах. Так был заложен фундамент многолетнего дружеского и творческого союза.

В середине 40-х заметно меняется вокальная манера Фитцжеральд, она все чаще импровизирует и активно пользуется скэтом. Яркие образцы ее несравненного искусства - известные композиции 45-47 годов "Lady Be Good", "How High the Moon", "Flying Home", в которых ее голос с головокружительной легкостью перепрыгивает через октаву, уходит в рычащие низы и взлетает до ультразвука. Именно в это время она становится ведущей джазовой вокалисткой Америки.

На концертных площадках ей аккомпанировало трио, в котором играл Рэй Браун, а пианист Эллис Ларкинс (Ellis Larkins) помогал в студии интерпретировать песни Джорджа Гершвина (George Gershwin) и других композиторов.

Насыщенный гастрольный график и частые отлучки из дома никак не способствовали укреплению семейного очага. Элла тяжело переживала, что так мало времени проводит с сыном. Разладились и отношения с мужем, так что в 53 году они развелись, но навсегда сохранили дружеские отношения.

Под менеджерской опекой Нормана Гранца певица ездила с туром Jazz at the Philharmonic, записала цикл альбомов с Луи Армстронгом (Louis Armstrong) и начала работать над своей знаменитой серией "Song Books". С 1956 по 64 годы она подготовила внушительный цикл альбомов (всего их вышло 28) с кавер-версиями своих любимых музыкантов. В ее интерпретации прозвучали композиции из репертуара Коул Портер (Cole Porter), Дюк Эллингтон (Duke Ellington), Джордж и Айра Гершвины (George & Ira Gershwin), Джонни Мерсер (Johnny Mercer), Ирвинг Берлин (Irving Berlin), Джером Керн (Jerome Kern), Rodgers & Hart, Гарольд Арлен (Harold Arlen). Эта серия пользовалась любовью не только многочисленных поклонников Эллы, но и музыкантов, чьи песни она исполняла. Альбомы "Ella Fitzgerald Sings the Cole Porter Song Book" и "Ella Fitzgerald Sings the Rodgers and Hart Song Book" поднялись в Тор 20 рейтинга поп-альбомов.

В этот необыкновенно плодотворный период искусство Фитцжеральд получает заслуженно высокую оценку профессионалов шоу-бизнеса. В течение пяти лет, с 1958 по 62 годы, певица семь раз становится героиней церемонии Grammy - как лучшая джазовая солистка и обладательница лучшего поп-вокала. Отмечен наградой был и концертный альбом "Ella in Berlin" (1960), финишировавший под 11 номером в поп-чарте, который сегодня входит в сокровищницу классического джаза. Запись известна, прежде всего, благодаря уникальной версии песни "Mack the Knife", появившейся курьезным образом. Во время берлинского концерта Фитцжеральд неожиданно забыла слова и, не растерявшись, начала импровизировать и придумывать фразы на ходу. Композиция принесла ей Grammy за лучший женский поп-вокал. Неудивительно, что исполнительница становится желанным гостем самых рейтинговых телевизионных шоу Америки: The Bing Crosby Show, The Frank Sinatra Show, The Ed Sullivan Show, The Nat King Cole Show, The Andy Willams Show, The Dean Martin Show и других.

В концертных кругах было хорошо известно, как строго менеджер певицы следит за соблюдением прав своих артистов и требует одинакового отношения к ним, независимо от цвета кожи, везде - в отелях, ресторанах и концертных залах. Такая принципиальная позиция Нормана Гранца нравилась далеко не всем. Однажды перед концертом в Далласе в гримерную, где находились, кроме Эллы, еще двое музыкантов - Диззи Гиллеспи и Иллинойс Жак (Illinois Jacquet), ворвались полицейские и арестовала всех троих. Артистов вскоре отпустили, а у полицейских "даже хватило наглости попросить у нас автографы", вспоминала певица. За Фитцжеральд заступался не только ее менеджер, но и многие знаменитости, в том числе Мэрилин Монро. Только благодаря ей Элла в 50-е годы получила ангажемент в популярном ночном клубе "Mocambo". Мэрилин лично пообещала владельцу клуба каждый вечер заказывать столик возле сцены (автоматически обеспечивая приток журналистов), если он пригласит на работу Эллу Фитцжеральд.

В 1967 году певица подписывает контракт с лейблом Capitol, после чего в ее репертуаре появляются милые поп-песенки ("Sunny", "I Heard It Through the Grapevine" и тому подобные), которые не идут ни в какое сравнение с лучшими образцами ее творчества. От погружения в трясину поп-музыки спасает ее все тот же Норман Гранц, создавший новый лейбл Pablo. Элла возвращается в родную джазовую стихию, блестяще выступает и много работает в студии с ведущими джазменами Америки, среди которых - Оскар Петерсон (Oscar Peterson), Каунт Бейси (Count Basie), Джо Пасс (Joe Pass).

Певица всю жизнь придерживалась очень напряженного гастрольного и студийного графика, даже когда по состоянию здоровья могла бы сделать себе поблажку. Она ездила по всему миру, иногда выходя на сцену дважды в день, в разных городах, разделенных сотней миль. В 1974 году в Нью-Йорке она отыграла легендарную двухнедельную серию концертов вместе с Фрэнком Синатрой и Каунтом Бейси. Начиная с 1976 года Элла еще шесть раз становилась лауреатом Grammy как лучшая джаз-вокалистка. В 1979 году ее имя появилось в Зале славы журнала "Down Beat", а Центр Кеннеди вручил ей специальную награду за вклад в развитие искусства.

Кроме музыки, у Эллы Фитцжеральд была еще одна страсть, которой она отдавала много времени и сил. Всегда помня о своем нищем детстве и обездоленной юности, она постоянно занималась благотворительностью, щедро помогала детям из нуждающихся семей. Эта сторона ее жизни, как правило, оставалась за кадром, но благотворительностью певица занималась до конца ее дней.

В 1987 году президент Рональд Рейган вручил артистке Национальную медаль искусств. Несколько университетов, Йельский, Дартмутский, Принстонский и другие, присудили ей звание почетного доктора. Ее вклад в развитие музыкального искусства был отмечен высочайшими наградами Американского общества композиторов, Ассоциации авторов и издателей, Фонда Джорджа и Айры Гершвинов, организаций ASCAP и NAACP.

Еще в 86-м году Фитцжеральд перенесла несколько операций на сердце. Ей поставили искусственный клапан, а вскоре диагностировали сахарный диабет, из-за которого она начала терять зрение. Почти ни у кого не было сомнений, что она никогда больше не сможет выступать и на этом ее звездная карьера закончится. Но она не была бы сама собой, если бы сдалась так быстро. Несмотря на запрет врачей и протест всей семьи, она снова выходит на сцену и продолжает студийную работу. Хотя голос Эллы Фитцджеральд слабеет и заражать зрителей прежним энтузиазмом удается уже с трудом, ее записи последних лет регулярно фигурируют в джазовых чартах. А живой альбом по материалам римского концерта "Ella In Rome - The Birthday Concert" (1988) становится лидером рейтинга Top Jazz Albums. В 73-м возрасте певица еще раз становится лауреатом Grammy, победив в номинации "лучший женский джаз-вокал" за альбом "All That Jazz".

В 1993 году состояние 76-летней Эллы Фитцжеральд резко ухудшилось. Диабет спровоцировал нарушение кровообращения, из-за чего ей пришлось ампутировать обе ноги до колен. Теперь большую часть времени она проводила дома вместе с сыном и внучкой. Но даже после этой операции время от времени она использовала возможность петь со сцены.

Элла Фитцжеральд ушла из жизни 15 июня 1996 года. Погасла одна из самых ярких и самых подлинных звезд 20 века. Трон Королевы джаза пустует до сих пор.

Виктория Прокопович


.по материалам интернет сайтов

[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
Миниатюры
el2.jpg   ella1.jpg   el3.jpg   foto1.jpg  

leo11.jpg  
Ответить с цитированием
  #57  
Старый 10.07.2008, 12:01
Аватар для haim1961
haim1961 haim1961 вне форума
Администратор
Ветеран форума
 
Регистрация: 29.01.2008
Адрес: Израиль.г Нетания
Сообщений: 2,170
По умолчанию

Vinnie Moore


Название: род.jpg
Просмотров: 24

Размер: 7.4 Кб

Гитарист, композитор, аранжировщик Винни Мур родился 18 апреля 1961 года в США.Винни Мур увлекся гитарой еще в раннем детстве и к 16 годам успел поиграть в нескольких десятках хард-роковых групп. Однако звезда талантливого гитариста взошла лишь после того, как его заметил знаменитый Майк Уорни, основатель фирмы грамзаписи Shrapnel Records и «директор фабрики по изготовлению гитаристов-виртуозов». Среди его подопечных были Ингви Мальмстин, Тони Макалпин, Марти Фридмен и многие другие мастера, творчеством которых сейчас восхищается весь мир. Первоначально Винни Мур был включен в состав Vicious Rumours - эта группа делала акцент на мощный гитарный саунд, создавая рафинированный хэви-метал. Калифорнийские поклонники «тяжести» заметили группу, и очень быстро она приобрела культовый статус. Фирма выпустила два альбома Vicious Rumours, но Винни Мур участвовал в записи только одного, «Soldiers In The Night». Убедившись в коммерческом успехе инструментальной музыки Мальмстина и Макалпина, Винни Мур принял решение покинуть группу и сосредоточиться на сольной работе. (Необходимо отметить, что, как и на большинство гитаристов данной ориентации, на творчество Винни Мур большое влияние оказали Бах и Вивальди.) Дебютный альбом гитариста появился в 1987 году, когда «инструментал» был на пике популярности; в записи диска принимали участие Томми Олдридж - ударные, Энди Уэст - бас-гитара, и Тони Макалпин - последний в качестве клавишника. Специалисты оценили работу тогда еще малоизвестного гитариста, и диск получил отличные рецензии даже в таких изданиях, как «Guitar World» и «Misician». Винни Мур сразу же начал работу над следующей пластинкой, для записи которой он решил пригласить других музыкантов - Джо Франке - ударные (Экс -Twisted Sister), Джордан Рудз - клавишные, Майкл Бин - бас-гитара. Диск был полностью выдержан в стилистике дебюта, а его «изюминкой» стала очень интересная версия композиции Дж.Харрисона «While My Guitar Gently Wheeps»; критики также отметили виртуозную «April Sky», написанную поИсточник: [Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]


[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]

Американский гитарист, один из типичных представителей нового поколения гитарных виртуозов. Мур вырос в городке Ньюкасл штата Делавэр и на гитаре начал играть с двенадцати лет. Работал с малоизвестными местными группами, пока не отправил свои демо-ленты владельцу фирмы "Шрапнель" Майку Уорни. Тот пригласил молодого гитариста к себе и определил его в группу "Vicious Rumours". С ней он записал единственный альбом "Soldiers of The Night" и благодаря этому альбому стал широко известен в хард-роковых кругах. В группе Винни долго задерживаться не стал и сразу взялся за сольную карьеру. Правда, первоначально он планировался гитаристом в группу руди Сарзо и Томми Олдриджа, но они присоединились к "Уайтснейк" и проект распался.
В 1987 году появился первый инструментальный альбом Винни "Mind's Edge". На нем музыканту помогали ударник Олдридж, клавишник Тони Макалпин и басист Andy West (экс "Dixie Dregs") Альбом имел большой успех. Чтобы вести концертную деятельность, Мур сформировал в Лос-Анджелесе сопровождающую группу, изъяв двух музыкантов из поддерживающего состава Саманты Фокс. Ими стали басист Peter Viola и ударник David Hoberth.
По итогам года Мур получил несколько почетных званий. Так в опросе влиятельного журнала "Гитар Плэйер" его диск занял второе место, а сам он был признан лучшим новым талантом года. Неплохо для музыканта, записавшего дебютный альбом.
В 1987 году Винни подписал новый контракт с "Squawk" и приступил к записи второй пластинки. Он смог поддержать свой уровень на высоте - альбом имел прекрасный отклик, как у публики, так и у критики. На этот раз для записи Винни привлек сессионных музыкантов. Ударник Joe Franko (экс "Твистед Систер"), басист Michael Bean и клавишник Jordan Rudes прекрасно справились со своей задачей. Свой очередной диск Мур собирается писать с вокалистом

[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
Наступал 1988 год - год суровых испытаний для стиля шред и американской неоклассики... Как оказалось, этот год будет последним для всего течения, которое формировалось, начиная с 1984-го, и подошло к своему рассвету в 1987-88. Американский неоклассический гитарный шред-метал начинает умирать под прощальные звуки "Perpetual Burn", "Dragon's Kiss" и "Time Odyssey", уступая дорогу shred/fusion, новые представители коего гипертрофируют neo-classic/shred, открывая новую страницу гитарной музыки. Неоклассика по сути умирает. А предпосылки к этому уже намечались: "наводнение рынка", появление новой волны гитаристов, совмещающих традиционный шред с fusion и blues, необратимый генезис стиля. Вчерашняя американская гитарная музыка к началу 90-ых стояла уже на пороге shred/fusion, куда ее толкали Greg Howe со своим одноименном дебютом 1988 года, Джоуи Тафолла с "Infra-Blue" (1990) и новый вундеркинд 17-летний Ричи Котцен со своей дебютной пластинкой "Richie Kotzen" (1989). Не остануться в стороне и Тони Макалпайн и Винни Мур, распрощается с неоклассикой и Марти Фридман, а учитывая набирающее обороты творчество Стива Вая и Джо Сатриани, коммерческий успех и мелькание на MTV шредера Masi и победоносное возвращение Ингви Мальмстина неоклассика в Штатах должна была выдохнуться. Но сам жанр "shred" приобрел новое: развитие и разнообразие - дорога для всех стилей и направлений, которые смогут найти свое отражение в новой формации, которая только начинается складываться. Shrapnel явит миру блюзового гения Майкла Ли Фиркинса, названного уже Ричи Котцена; Тони Макалпайн будет экспериментировать со звуком и стилями, развивая все грани fusion, начиная от fusion/rock и заканчивая blues/jazz. Мы станем свидетелями коалиции Грега Хоу и Ричи Котцена, который к середине 90-ых станет одним из самых лучших и авторитетнейшим fusion-гитаристов во всем мире. Для поклонников гитары и самих гитаристов это будет означать только одно - гитарная музыка продолжит и будет развиваться в дальнейшем.
Поэтому 1988 год был переломным. Стал он таковым и для Винни Мура. Выпустив успешный, позже ставший классическим, "Mind's Eye" (1986) Винни запишет в 88-ом свой еще один успешный диск "Time Odyssey", который станет последним шедевром американской неоклассики и подведет черту под всем стилем, который получит второе дыхание только через 10 лет в лице George Bellas и Vitalij Kuprij. После своей успешной "Одиссеи" по музыкальным просторам неоклассицизма Винни примет участие на альбоме Элиса Купера "Hey Stoopid" (1991) и посвятит себя целиком и полностью fusion.
А пока, находясь на пике популярности, Винни собирается записывать свое второе творение. От первого состава не осталось никого:Тони Макалпайн сильно востребован и постоянно в работе, Томми Олдридж - перешел в Whitesnake к Дэвиду Ковердейлу. Вот и пришлось Винни пригласить новых музыкантов: Джо Франко (ударные), Майкл Бин (бас) и Джордан Рудесс (клавишные). Новый состав Мура не подвел: ритм-секция как и была мощная и напористая, такой и осталась, а виртуоз Рудесс с лихвой компенсировал место Макалпайна за клавишными и присоединился потом к команде виртуозов Dream Theater. По звучанию альбом напоминает предшественника, но в то же время концептуальный, более сентиментальный и лирический. Если "Mind's Eye" был "мальмстиновским" и впитал краски дебюта Макалпайна, то "Время Одиссеи" уже родственно близка к гитарному мелодизму 90-ых, который создавали Сатриани и Вай. Скоростные шредовые композиции с ураганными неоклассическими арпеджио и пассажами присутствуют и здесь ("Morning Star", "Prelude/Into The Future", "Race With Destiny", "The Tempest"), но появились и медленные чувственные роковые композиции с изрядной долей романтики, а местами и грусти, чем вдосталь можно насладиться у Сатриани - пожалуй, лучшего гитариста-романтика. Поэтому диск разнообразен по материалу и по его исполнению. Винни не отказывается еще от гитар Ibanez, которым на смену придут MusicMan, а звук датчиков DiMarzio как всегда чист, мелодичен, утончен и неповторим.
Разнообразив материал Винни пошел еще на одно изменение - смена лейбла. Вместо маленького Shrapnel Мур подписался на Squawk - дочерний лейбл PolyGram. Это было связано с успехом, который сопутствовал Муру, его и популярности жанра, который мог существовать, как думали боссы крупных звукозаписывающих компаний, и вне жестких рамок, а стать вместо этого доступным для общих масс. Кстати, на год раньше и Тони Макалпайн подписал контракт с Squawk. Молодые звезды Shrapnel подались на другой лэйбл, чтобы завоевать и коммерческий успех, который на Shrapnel было достигность гораздо тяжелее. Но сотрудничество с "большими" длилось не долго, что и показало: гитарной музыке очень тяжело приспособиться к большому музыкальному рынку. Исключения - Ингви Мальмстин как основатель и классик жанра neoclassical shred, Джо Сатриани и Стив Вай как противоположности общепринятому движению neoclassical shred/metal и как главные новаторы и вдохновители гитарного романтизма. Так путь, выбранный Макалпайном, Муром и иже с ними, был ошибочным и утопичным. Создавший стиль shred и закрепившийся на его ниве Мальмстин всегда будет с ним и ассоциироваться, а мода, которая родилась, стала смертельным увлечением для всех последующих. В отличие от них Стив Вай и Джо Сатриани планомерно развивали и толкали в массы свой звук, который не был мальмстиновским, а филегранная техника и живость композиций стала визитной карточкой двух Маэстро. Посмотрим хоть и сейчас: какую тройку гитаристов-виртуозов чаще приходиться нам слышать? Так оно и есть: Сатриани-Вай-Мальмстин, а остальные - уже потом, извольте в очередь.
Сменив лэйбл и получив возможность нести свою музыку в широкие массы Винни Мур выпускает блестящий концептуальный альбом, где каждая композиция является составной частью всего полотна и создает картину "Путешествия", которое хотел совершить в мечтах и во сне и совершил на яву Винни Мур. От шредового безумства "Morning Star", "Prelude/Into The Future", "Race With Destiny", "The Tempest" до красоты и гармонии "As Time Slips By" и грусти "Beyond The Door", от гитарного прогрессива "Message In A Dream" и "Pieces Of A Picture" до переложения И.С. Баха в "April Sky" и кавера "While My Guitar Gently Weeps" Джорджа Харрисона. На этой пластинке и виртуозности и скорость, мелодизм и красота, утонченность и чувственность.
Переходя к трэк-листу обращаешь внимание, что диск долгоиграющий и продолжительность некоторых композиций значительна, принимая во внимание, что перед нами творение гитариста, а не арт-рок или -прогрессив-группы. Дебютная "Morning Star" продолжает традицию, начатую еще Муром на "Mind's Eye": неокласика в первозданном виде, ну и куда же без шредовых соло. "Prelude/Into The Future" стоит разделить на две части: сама "Прелюдия" написана Джорданом Рудессом и представляет из себя космическое, с классическим лицом, вступление, которыми славился David Rosenthal времен Rainbow. Помпезное действо переходит в торжественный шред "Into The Future" с типичной фразировкой Мура, к которой мы уже привыкли на предыдущем альбоме, сопровождающаяся дуэлью с Рудессом на клавишных. Скорость и мелодизм, который и в правду уносит "В Будущее", нашли отражение на этом трэке. "Morning Star" и "Prelude/Into The Future" - одни из лучших творений Мура, и не только на этом альбоме. "Beyond The Door" - грусть и печаль, которая чувствуется в каждой ноте основного риффа и соло. Мелодизм, кстати, уже здесь ближе к поздним творениям шредеров, которые закончат потом с неоклассикой. Сложная и структурная "Message In A Dream" начинается с клавишного интро Джордана Рудесса (им же и написанного) и переходит в гитарное интро уже Мура той же тональности и настроя, что и у Рудесса. Третьей частью числится гитара Винни, которая закрывает последнюю часть перед основой "Message..". Основная же часть данной композиции, которая состоит из логически связанных частей, продолжает космически-мечтательный настрой, который был еще заложен в "Prelude/Into The Future" Рудессом. Поэтому по настроению "Message In A Dream" родственна с "Prelude/Into The Future", только последняя откровенно шредовая, а "Message In A Dream" - наоборот богата сменами настроений и ритма, музыкального рисунка и является этаким прогрессивом. Отчасти это можно объяснить авторстовом на этом трэке Рудесса и его влиянием. Сентиментальность и утонченность, которая раньше не была свойственна Муру, родились на "As Time Slips By". Трогательное начало и тревожная средняя часть делают эту композицию находкой этого диска. "Моя любимая вещь", - как-то признался Винни. Но на этой композиции можно уловить мелодизм и интонацию "No Place In Time" Тони Макалпайна с "Edge Of Insanity" (1985). Яростный боевик "Race With Destiny" захватывает и уносит в самое сердце shred/metal: привычные пассажи Маэстро Мура,торжественный припев с ураганной гитарой и дуэль гитары и клавишных, как на "Far Beyond The Sun" Ингви Мальмстина - классика шреда. "While My Guitar Gently Weeps" - отличное исполнение классики The Beatles, где гитара Мура действительно поет. Продолжительный неоклассический шред в "The Tempest" сводит с ума своей красотой и монументальностью: гитарных гурманов ждет фантастическое соло на сдвоенных классических гитарах под стать "Saved By A Miracle" с "Mind's Eye", после чего придется выдержать стремительные забеги на головокружительных скоростях во время "Бури", сделать передышку и отправиться опять в погоню, чтобы оглянуться на проделанный путь в коде, когда "Буря" уже стихнет, и Вы поймете, какая она была мощная и сильная и как Вас далеко унесла: почти на 9 минут. "The Tempest" - настоящий монументальный гитарный шедевр. Еще один прогрессивный момент - "Pieces Of A Picture": здесь и скоростной шред и смена "картин", которую мы видели в "Message In A Dream". Разнообразный мелодизм и настроение дают право назвать "Pieces Of A Picture" прогрессивным гитарным номером на этом альбоме, который сразу выбивается из контекста чисто шредовых композиций, но дополняет и сохраняет общую структуру "Одиссеи", являясь одним из важных "Кусочков Картины", которую Винни Мур увидел, нарисовал и исполнил во время своего "Путешествия" (читай - "Одиссеи"), которое завершилось в лучах "Апрельского Неба" под переложение "Air On G String" и "Piano Concerto №5 (Second Movement)" И.Г. Баха нашим виртуозным Одиссеем.
"Time Odyssey" - последнее классическое творение "золотой поры" Винни Мура и всего американского неоклассического шреда. Далее Винни почти на десять лет свяжет свою судьбу с fusion-rock, меняя лейблы и находясь в поисках своего "золотого руна", пока в 1999 году не вернется к корням в "The Maze". А это "Путешествие" закончилось, а ровно как и всего жанра neoclassical shred, ведь в "Свободный Полет" уйдет fusion, под руководством экс-неоклассика-шредера Макалпайна и сотоварищи.
Время Одиссеи ... путешествие через саму жизнь.

.по материалам интернет сайтов

[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
Изображения
  
Ответить с цитированием
  #58  
Старый 10.07.2008, 12:27
Аватар для haim1961
haim1961 haim1961 вне форума
Администратор
Ветеран форума
 
Регистрация: 29.01.2008
Адрес: Израиль.г Нетания
Сообщений: 2,170
По умолчанию

Tower of power



[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]


Стиль этой группы с точки зрения разных людей выглядит по разному. Некоторые считают творчество "Tower of power" фанком, другие называют соулом, третьи - ритм-энд-блюзом, четвертым видится рэгги или джаз. Даже сами музыканты описывали свое направление разными эпитетами. Истину же надо искать, по-видимому, где-то посередине. Единственное, чем всегда славились "Tower of power" – это знаменитая духовая секция, не имевшая, правда, постоянного количества людей.
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
История коллектива началась во второй половине 60-х годов. В то время уроженец Детройта Эмилио Кастилло перебрался в калифорнийский городок Окленд. Парень был влюблен в соул, достаточно хорошо владел тенор-саксофоном, и вскоре основал проект "The Motowns", в котором мог исполнять свою любимую музыку. На нескольких концертах группы побывал баритон-саксофонист Стефен Купка (впоследствии получивший прозвище "Фанки Доктор") и решил поближе познакомиться с ее лидером.

[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]

Интересы Кастилло и Купки в творческом плане были очень схожи, и парни быстро стали друзьями. Приятельские отношения вскоре переросли в сотрудничество, и музыканты принялись вдвоем писать песни. Первым их совместным творением была композиция "You're Still a Young Man" – в дальнейшем превратившаяся в классику "ToP". В 1968 году "Motowns" сменили название на "Tower of power" и принялись активно гастролировать по западному побережью. Состав группы флуктуировал и иногда достигал в количестве до десяти человек. Среди частенько попадались очень талантливые личности типа Грега Адамса (труба, вокал) и Рокко Престиа (бас).


В 1970-м команда подписала контракт с лейблом Билла Грэма "San Francisco Records" и дебютировала на нем с альбомом "East bay grease". Музыканты тогда еще находились в поисках нужного саунда, и поэтому ни в какие чарты пластинка не попала. К тому же "San Francisco Records" приказал долго жить, а "Tower of power" временно оказались не у дел.



Фортуна нашла их в 1972-м, когда под крышей "Warner brothers" ансамбль выпустил второй альбом, "Bump City". С этого релиза началась звездная полоса в жизни группы. Одна за другой следовали хитовые пластинки – "Tower of Power", "Back to Oakland", "Urban renewal", "In the slot". Однако ближе к концу 70-х и в последующем альбомы стали очень неоднородными, и некоторые из них были более-менее удачными, а некоторые – откровенно провальными. Тем не менее, как концертный коллектив "Tower of power" смотрелись всегда хорошо, чем и продолжали радовать слушателей на протяжении всей карьеры.


Особо стоит сказать про вышеупомянутую духовую секцию. Она всегда пользовалась популярностью, и к ее услугам прибегали многие известные исполнители – Элтон Джон, Карлос Сантана, Хью Льюис, "Little feet", "Aerosmith", Род Стюарт, "Toto", Дэвид Санборн и многие другие.
Состав группы:
Emilio Castillo - саксофон, вокал
Stephen 'Doc' Kupka - саксофон
Adolfo Acosta - труба
Mike Bogart - труба
David Garibaldi - ударные
Roger Smith - клавишные
Jeff Tamelier - гитара
Francis Rocco Prestia - бас
Brent Byars - перкуссия

по материалам интернет сайтов


[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
Миниатюры
bab0268.jpg  
Ответить с цитированием
  #59  
Старый 10.07.2008, 13:37
Аватар для haim1961
haim1961 haim1961 вне форума
Администратор
Ветеран форума
 
Регистрация: 29.01.2008
Адрес: Израиль.г Нетания
Сообщений: 2,170
По умолчанию

Natalie Cole

[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
Натали Коул родилась 6 февраля 1950 года в Лос Анджелесе. На сегодняшний день рок-певица имеет в своем архиве восемь наград Гремми, восемь золотых и три платиновых альбома. Несмотря на то, что Натали является дочерью знаменитого певца Nat ''King'' Cole, она начала заниматься пением, только после поступления в Университет Штата Массачусетс.

Натали начинала свою музыкальную карьеру, с того что писала песни, помимо этого таланта, она была великолепной пианисткой, пела вместе с Chuck Jackson и Marvin Yancy. Их музыка была смесью из различных музыкальных стилей, R&B/soul, pop, gospel, и adult contemporary.

В Чикаго Натали знакомится с Chuck Jackson и Marvin Yancy. Сформировавшееся трио, в конце 1974 года, работает вместе в студии Curtis Mayfield's Curtom studios, при участии саксофониста Gene Barge.

После того как многочисленные лейблы, которым были представлены записи трио, их отвергли, ими заинтерисовался только лейбл Capitol Records. Кстати это лейбл, на котором выпускал свой альбомы и отец Натали.

Первым хитом Натали Коул станавится «This Will Be», который был выпущен 30 июня 1975 года. Эта композиция занимала первое место в R&B и находилась на вершине две недели. В Billboard's charts песня заняла шестое место в конце 1975 года.

На следующий год Натали награждается престижной премией Grammy, в номинации Best Female R&B Vocal, за свой хит «This Will Be», и была награждена в номинации the Best New Artist of the Year, а также номенировалась на Best Pop Vocal.

31 июля 1976 года Натали выходит замуж за Marvin Yancy, в результате которого у них появляется сын Robert. Но спустя несколько лет они разводятся. Наступает черная полоса в жизни выдающейся певицы.


[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]

Натали начинает употреблять наркотики, в следствии чего сбивается концертный график, а в 1981 году Capitol разрывает контракт с Натали. В 1983 году певица направляется, на прохождение курса лечения, в реабилитационную клинику в Миннеаполисе.

Спустя шесть лет Натали вновь выходит замуж, за продюссера Andre Fischer. Он становится продюссером ее альбома «Unforgettable», за который в последствии будет удостоен шести наград Grammy, в номинации Record of the Year.

В 1987 году выходит очередной релиз Everlasting, который становится золотым. Три хит сингла с этого альбома попадают на первые строчки хит парадов.

Альбом 1996 года «Stardust», в котором при помоши электроники воссоздается дует Натали и ее отца, эта композиция получила название «When I Fall in Love» и в 1997 году удостаивается премии Grammy.

В конце 2000 года компания Warner Books, выпускает автобиографию Натали Коул, написанную при участии Digdy Diehl. Втоже время певица попадает на обложки журналов Jet Magazine и People Magazine. Источник биографии:www. musicbase. h1. ru

[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
Миниатюры
cole.jpg   stillunforgettable2.jpg  
Изображения
   
Ответить с цитированием
  #60  
Старый 10.07.2008, 14:02
Аватар для haim1961
haim1961 haim1961 вне форума
Администратор
Ветеран форума
 
Регистрация: 29.01.2008
Адрес: Израиль.г Нетания
Сообщений: 2,170
По умолчанию

Chaka Khan

Чака Хан

[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
Певица, композитор Чака Хан (настоящее имя Иветт Мэри Стивенc) родилась 23 марта 1953 года в США.


[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
В 11 лет Чака Хан уже организовала свою первую группу (Crystalettes), с которой много гастролировала в Чикаго и его пригородах. К 16 годам она возглавила Союз чернокожих студентов и присоединилась к труппе Африканского драматического театра (куда также входила известная певица Мэри Уэллс). В 1969 году певица стала членом группы Life, позже сменившей название на Babysitters, - группа работала в стиле танцевального соул, который принес музыкантам популярность. В 1972 году Чака Хан познакомилась с Кевином Мерфи (он играл в группе American Breed) и Андре Фишером - они организовали группу Rufus, вскоре ставшую популярной во всем мире. Rufus играли соул с заметными элементами фанка - такие композиции, как «Tell Me Something Good» (1974), «You Got Love» (1974), «Once You Get Started» (1975) и «Sweet Thing» (1975), входили в Top 10 американских хит-парадов.


В 1978 году Чака Хан начала сольную карьеру, ее дебютный альбом «Chaca» продюсировал Ариф Мардин, в записи принимали участие музыканты группы Average White Band и гитарист Rufus Тони Мэйден - диск стал «золотым», а композиция «I'm Every Woman», которую написали Эштон и Симпсон, вошла в хит-парад на 21-е место. Продолжая работать с Rufus, Чака Хан собирает собственную группу, с которой много гастролирует; выходят новые сольные пластинки певицы. Чаку Хан приглашают для записи альбомов таких столпов рока, как Рай Кудер, Рик Уэйкман, Чик Кориа, Джо Хендерсон и Стенли Кларк. В 1984 году композиция «I Feel For You» (автор - Принс) занимает первое место в таблице популярности США. Сегодня Чака Хан считается ведущей певицей, работающей в жанре танцевальной музыки

по материалам интернет сайтов
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
(Джордж Дюк,Стенли Кларк и Чака Хан в концерте)
Миниатюры
chaka_khan1.jpg   chaka_khan2.jpg   chaka_khan11.jpg   grammy_chaka_khan.jpg  

chaka_khan4.jpg  
Изображения
 
Ответить с цитированием
Ответ

Метки
ансамбли., блюз, группы, джаз, джаз-рок, исполнители, история джаза, композиторы, рок


Здесь присутствуют: 1 (пользователей: 0 , гостей: 1)
 
Опции темы

Ваши права в разделе
Вы не можете создавать новые темы
Вы не можете отвечать в темах
Вы не можете прикреплять вложения
Вы не можете редактировать свои сообщения

BB коды Вкл.
Смайлы Вкл.
[IMG] код Вкл.
HTML код Выкл.

Быстрый переход

Эл. почта администратора: - Главный сайт Шансон - Портала - Архив - Вверх

Внимание! Администрация Шансон – Портал – форума не несет ответственности за сообщения, размещенные участниками форума и за высказанные мнения в этих сообщениях. Так же администрация форума не несет ответственности за размещенные участниками форума ссылки, на какие либо материалы, расположенные на других Интернет ресурсах. Тем не менее, если Вы являетесь правообладателем материала, на который есть ссылка в каком либо сообщении Шансон – Портал – форума и считаете, что этим нарушены Ваши авторские или смежные права, сообщите пожалуйста администрации форума. Мы в кратчайшие сроки готовы удалить сообщение со ссылкой на Ваш материал, при предъявлении прав на указанный материал. Пожалуйста используйте форму обратной связи.

Powered by vBulletin® Version 3.8.4
Copyright ©2000 - 2020, Jelsoft Enterprises Ltd. Перевод: zCarot
© Шансон - Портал - Все права защищены

Подпишитесь на нашу ленту новостей