Внимание! Регистрация на наш форум приостановлена. Для связи с администратором, используйте эл. почту

ШАНСОН - ПОРТАЛ   |    ШАНСОН - ПОРТАЛ - ГАЛЕРЕЯ

ШАНСОН - ПОРТАЛ - ФОРУМ

Поиск по Шансон - Порталу >>>






Вернуться   Шансон - Портал - форум > Разное > Музыка других стилей

Музыка других стилей Обсуждаем любую современную музыку (кроме шансона)

Ответ
 
Опции темы
  #71  
Старый 13.07.2008, 13:05
Аватар для haim1961
haim1961 haim1961 вне форума
Администратор
Ветеран форума
 
Регистрация: 29.01.2008
Адрес: Израиль.г Нетания
Сообщений: 2,170
По умолчанию

Jon Douglas Lord


[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]


Джон Дуглас Лорд (Jon Douglas Lord) родился 9 июня 1941 года в Лестере, Англия, в музыкальной семье. Джон с девяти лет начал практиковаться на пианино своего отца, саксофониста. Сначала он весьма неохотно играл классические произведения, но потом полюбил музыку всей душой. В 11 лет Джон впервые попробовал свои силы в исполнении произведений на органе, три года посещал Центральную школу Сценической речи и драмы (Central School Of Speech and Drama) в Лондоне. Его исполнительное мастерство возросло, и он мечтал стать классическим пианистом или органистом. Но как и Рик Вэйкман (Rick Wakeman, позднее - участник Yes) и Кит Эмерсон (Keith Emerson, позднее - лидер Emerson, Lake & Palmer), Джон обнаружил, что рок-музыка гораздо более привлекательней.

В Лондоне Лорд работал со многими группами, исполняющими джаз, поп-шлягеры, рок-н-роллы и кавер-версии различных исполнителей. Первой группой Джона была The Bill Ashton Combo, которой руководил Билл Эштон, позднее пригласивший Лорда в свой National Youth Jazz Orchestra. Затем Джон вошел в состав The Don Wilson Combo, переименованный сначала в Red Bludd's Bluesicians, потом в Art Woods Combo, а в 1964 году превратившийся в просто The Artwoods.

Это была отличная команда из талантливых и полных энтузиазма музыкантов, включая Кифа Хартли (Keef Hartley) и Арта Вуда (Art Wood), которые оказали большое влияние на становление британского ритм-энд-блюза. Игра Джона на органе хорошо представлена на их единственном альбоме "Art Gallery" (1966), выпущенной фирмой "Decca" и который стал сейчас большим раритетом. Исполнительное мастерство Лорда особенно ярко проявилось в таких инструментальных пьесах, как "Walk On The Wind Side", ставшей известной благодаря Джимми Смиту (Jimmy Smith), одному из любимых джазовых органистов Джона.

The Artwoods завершили свою карьеру в середине 1967 года, когда менеджмент решил изменить не только имидж (переодев музыкантов в гангстеров), но и название. Они стали называться St.Valentine's Day Massacre. Музыканты записали песню "Buddy Can You Spare A Dime?", которая стала хитом в Штатах, но после возвращения в Англию Джон Лорд оставил эту группу. Он недолго поиграл в Santa Barbara Machine Head, а затем начал зарабатывать себе на жизнь, работая на сейшенах, в том числе с вокальной группой The Ivy League.

Лорд записал с этой командой, переименованной в октябре 1967 года в The Flowerpot Men, две песни - "Flowers In The Rain" и "Let's Go To San Francisco", ставшие хитами и полюбившиеся британской хип-тусовке. В психоделической атмосфере 1967 года они прошли "на ура". В этой же группе на басс гитаре играл Ник Симпер (Nick Simper).

24 февраля 1968 года Лорд покинул The Flowerpot Men и помог образовать новый музыкальный коллектив под названием The Garden, где сам работал в качестве аранжировщика и клавишника. Однако постоянные разговоры с Крисом Кёртисом (Chris Curtis) о создании уникального проекта, в котором могли бы принять участие лучшие музыканты, способные превратить его в некую супергруппу, принесли свои плоды.

В новую группу, получившую название ROUNDABOUT, вошли Джон Лорд, Ник Симпер, Ричи Блэкмор, Ян Пейс и Род Еванс. Позже коллектив сменил название на Deep Purple. Самый старший в команде, Джон Лорд на протяжении первых двух лет существования группы оставался ее творческим рулевым. Вначале он занимался буквально всем: играл на клавишных, писал музыку, стихи и даже пел. Времени на запись первого альбома было мало, а выпускать его надо было срочно, поэтому натащили в него все, что было под рукой. Больше всего готовых идей было у Лорда, его влияние воспринималось, как доминирующее. Именно поэтому менеджмент группы достаточно долгое время считал, что общаться с "творческим коллективом" можно через одного человека. Рассудительный, с хорошими манерами Джон Лорд казался самым подходящим для этой роли. Урегулирование многих спорных вопросов легло на него.

Начиная с 1968 по 1976 год Джон Лорд стал клавишником самой популярной группы. После записи первых трех альбомов в группе последовала небольшая перетасовка состава. В это же время Лорд сделал какие-то предварительные наброски своего нового произведения. Это была сюита для рок-группы в сопровождении симфонического оркестра, ни больше и ни меньше. Был сделан заказ в концертном зале "Royal Albert Hall" на прослушивание и запись концерта с филармоническим оркестром под управлением Малькольма Арнольда (Malcolm Arnold).

Концерт состоял из двух "отделений": первое называлось "More Shades Of Deep Purple", а второе - "Concerto For Group & Orchestra". Это был весьма амбициозный проект, о котором Джон Лорд сказал следующее: "Главная проблема заключалась в том, чтобы совместить две различные области музыки, классическую и бит-музыку. Меня долгое время занимала идея представить в одном произведении такие, на первый взгляд, антагонистические направления в музыке, как рок и классику. Я попрошу не судить нас строго, потому что это всего лишь первая попытка.

С этого момента Лорд утратил лидерство, однако получил свою собственную нишу, позволявшую ему реализовывать свои музыкальные проекты, не имевшие ничего общего с бизнесом Deep Purple. В этот период группа, наконец, обрела музыкальную устойчивость, и мы получили блестящие архетипы "пурпурного" стиля, дававшего простор импровизационным талантам Блэкмора и Лорда. И хотя гитара стала явно лидирующим инструментом, эпоха Второго состава ознаменовалась роскошными соло Джона в таких вещах как "Hard Lovin' Man", "Highway Star", "Pictures Of Home", "Rat Bat Blue" и др. Тогда же Лорд начал экспериментировать с синтезаторами, не удовольствовавшись фирменным звуком органа. Он играл исключительно стоя, выработав особую технику пользования органными педалями и периодически раскачивал "Hammond", заставляя динамики "Leslie" издавать громовые раскаты (кстати, тот самый классический "Hammond С 3", приобретенный еще в 1968 г. жив до сих пор, хотя, конечно, уже давно не используется на концертах). Мелодическая концепция Deep Purple не предполагала использования фортепиано, однако Лорд, по его признанию, продолжал ежедневно заниматься на классических клавишных, "чтобы пальцы не становились ленивыми".

Между турами и записям альбомов Лорд нашел место и для своей классической соло-работы. Вместе с басистом Роджером Гловером и барабанщиком Ян Пейсом (коллеги Лорда по Deep Purple) и с участием Лондонского Симфонического оркестра был записан альбом Gemini Suite (1971). Позже вышли еще два сольных альбома: соундтрек к фильму "The Last Rebel" (1971) и "First of the Big Bands" (1974), на запись которых Лорд пригласил Тони Эштона (Tony Ashton). И в том же году Джон сотрудничает с Эберхардом Шойнером (Eberhard Schoener) и записывает альбом "Windows" (1974).

Когда Deep Purple распались в 1976 году, Джон организовал группу Paice, Ashton, Lord, с которой записал единственный , но весьма приличный по исполнению, альбом "Malice in Wonderland" (1976). В том же году Лорд записал еще один сольник Sarabande (1976). После этого Джон и Пейс присоединилсь к своему экс-партнеру по Deep Purple вокалисту - Дэвиду Ковердейлу (David Coverdale), который организовал группу Whitesnake. На некоторое время Лорд приостановил запись сольников, сконцентрировавшись на работе в новой группе.

После распад Whitesnake Джон работал с Кози Пауэллом (Cosy Powell) и Грэмом Бонетом (Graham Bonnet), а заодно продолжил выпускать альбомы: на прилавках появились Before I Forget (1982), а потом саундтрек под названием "The Country Diary of an Edwardian Lady" (1984). Дальше последовало воссоединение Deep Purple, в составе которого Джон проработал с 1984 года по 2002 и успел записать 6 альбомов, постоянные конфликты с гитаристом группы Ричи Блэкмором, ее вокалистом Джо Линн Тернером, который полностью не соответствовал представлениям Лорда о вокальной стилистике Deep Purple. Именно благодаря Лорду в группу вновь вернулся Ян Гиллан. Но через год из группы ушел Ричи Блэкмор, тем самым покончив с постоянными нервотрепками в коллективе.

В 1995 - 96 гг. Джон Лорд пережил тяжелое потрясение - утрату обоих родителей, близкие отношения с которыми они сохранял все эти годы. В это время он сильно изменился внешне - перестал подкрашивать волосы и превратился в солидного седовласого джентльмена. Несмотря на интенсивную концертную деятельность, Лорд находил время для уединения в Испании, Великобритании или Швейцарии. Итогом этих периодов творческого затворничества стал сольный альбом "Pictured Within" (1998), который Джон посвятил памяти своих родителей. Это необыкновенно тонкая, проникнутая лиризмом, очень личная работа, в которой Джон, кажется, окончательно завершил оттачивание своего индивидуального композиционного мастерства - сдержанного и глубокого. На запись этого альбома Лорд пригласил Cэма Брауна (Sam Brown) и Миллера Андерсона (Miller Anderson).

Они же были приглашены Лордом, когда было решено отметить 30-летие Concerto For Group & Orchestra в 1999 г. Готовясь к этому событию, Джон решил переработать некоторые аранжировки. Работа представлялась более чем сложной, поскольку партитура Concerto была полностью утрачена. Однако здесь произошло настоящее чудо: оказалось, что молодой датский композитор Марко де Гоедж (Marco de Goeij) провел колоссальную работу и на слух (а также используя видеозапись концерта) восстановил нотную запись, которую и подарил своему кумиру Лорду. Новое прочтение Concerto, ставшее, как и сам автор, более строгим, мудрым и гармоничным, было посвящено Сэру Малькольму Арнольду, который за три десятилетия до того благословил двадцатидевятилетнего Лорда на этот отважный проект.

Свой последний концерт в составе Deep Purple Лорд отыграл 19 сентября 2002 года, в Ипсвиче, Англия. Это была тяжелая в эмоциаональном смысле ночь, которая ознаменовала собой новый период в карьере как Джона Лорда, так и Deep Purple. "Я жду долгой и славной соло-карьеры", - сказал Джон Лорд по этому поводу и принялся за дело, выпустив вместе с Hoochie Coochie Men альбом "Live In Basement" (2003).

По материалам интернет сайтов.

[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
Миниатюры
tn_jon_lord_07.jpg   8636_3.jpg  
Изображения
    
Ответить с цитированием
  #72  
Старый 13.07.2008, 17:45
Аватар для haim1961
haim1961 haim1961 вне форума
Администратор
Ветеран форума
 
Регистрация: 29.01.2008
Адрес: Израиль.г Нетания
Сообщений: 2,170
По умолчанию

Kenny G

Иннокентий Горелик


[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]

КЕННИ ДЖИ (Kenny G)Кенни Джи, он же Кеннет, он же Иннокентий Горелик, одессит по происхождению. р. 5 июня 1959, Сиэтл, шт. Вашингтон, американский джазовый музыкант, саксофонист.
На саксофоне он начал играть еще в школе, в составе местных групп, а в возрасте 17 лет уже был членом оркестра Барри Уайта (Barry White). В середине 1970-х гг. он попал в местную фанк-группу COLD, BOLD AND TOGETHER, где стал единственным белым участником.
После окончания школы Кенни поступил в Вашингтонский университет, чтобы выучиться на бухгалтера, и во время учебы также продолжал играть — на сей раз с Джоном Матиасом, THE SPINNERS и другими. После успешного окончания обучения он несколько лет играл в команде OREGON'S JEFF LORBER FUSION BAND. Именно в этот период его творчества на него обратила внимание звукозаписывающая компания Arista Records, и в начале 1980-х гг. Кенни подписал свой первый самостоятельный контракт на выпуск сольных альбомов.
Первый альбом, незатейливо названный именем исполнителя — «Kenny G» — вышел в 1982. Большим успехом он не пользовался, как и последовавшие за ним второй и третий альбомы — «G-Force» и «Gravity». Зато четвертый диск «Duotones», вышедший в 1986, добрался до 6 места в альбомном чарте и принес Кенни Джи большую известность. Следующий альбом «Silhouette» (1988) занял в том же чарте 8 место, а вышедший в 1992 «Breathless» стал самым продаваемым альбомом в истории инструментальной музыки, став платиновым 15 раз. Его отличие от предыдущих дисков в том, что в его записи впервые приняли участие вокалисты — Пиабо Брайсон и Аарон Невил.
Еще один рекорд был поставлен Кенни Джи в 1994: его диск «Miracles: The Holiday Album» разошелся тиражом в 8 млн. экземпляров и стал самым продаваемым рождественским альбомом в истории.
Кроме сольных альбомов, Кенни также принимал участие в работе над альбомами таких признанных звезд, как Уитни Хьюстон (Whitney Houston), Арета Франклин (Aretha Franklin) и Натали Коул (Natalie Cole). Кенни Джи является обладателем огромного количества музыкальных наград, среди которых «Soul Train Awards» и несколько «Грэмми».
Сейчас Кенни Джи — самый продаваемый исполнитель за всю историю инструментальной музыки: его записи разошлись суммарным тиражом более чем в 30 млн. копий по всему миру.

Дискография:

KENNY G (Arista, 1982)
G FORCE (Arista, 1983)
GRAVITY (Arista, 1985)
DUOTONES (Arista, 1986)
SILHOUETTE (Arista, 1988)
KENNY G LIVE (Arista, 1989)
BREATHLESS (Arista, 1992)
SENTIMENTAL (Arista, 1993)
MIRACLES: THE HOLIDAY ALBUM (Arista, 1994)
EVEN IF MY HEART WOULD BREAK (Arista, 1994)
THE MOMENT (Arista, 1996)
GREATEST HITS (Arista, 1997)
HAVANA (Arista, 1997)
FOREVER IN LOVE (Arista, 1998)
FAITH: A HOLIDAY ALBUM (Arista, 1999)
WHAT A WONDEFUL WORLD (Arista, 1999)
CLASSICS IN THE KEY OF G (Arista, 1999)
AULD LANG SYNE (Arista, 1999)
PARADISE (Arista, 2002)
ALL THE WAY (Arista, 2002)
ULTIMATE KENNY G (Arista/BMG Heritage, 2003)Источник: [Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
По материалам интернет сайтов.
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
Изображения
   
Ответить с цитированием
  #73  
Старый 13.07.2008, 18:34
Аватар для haim1961
haim1961 haim1961 вне форума
Администратор
Ветеран форума
 
Регистрация: 29.01.2008
Адрес: Израиль.г Нетания
Сообщений: 2,170
По умолчанию

Candy Dulfer

Название: image.php.jpg
Просмотров: 31

Размер: 3.3 Кб
«Candy – милашка», - так сказали бы американцы в разговоре друг с другом. Другими словами, многочисленные концерты не только способствовали росту популярности голландской саксофонистки, но и помогли ей самой понять свои творческие корни – «фанк» и «ритм-н-блюз», разбавленный «джазом»,
«хип-хопом» и «соулом». Candy Dulfer начала учиться музыке в семь лет, в 14 уже организовала собственную команду “Funky Stuff”. В музыке она всегда стремилась держаться на волне времени, однако не позволяла новым тенденциям диктовать свой стиль. Легендарным стало высказывание исполнителя, которого когда-то звали Prince: “When I want sax, I call Candy”. Ещё до выхода её дебютного альбома “Saxuality”, она совершила совместное гастрольное турне по Европе с Мадонной (Madonna). Настоящему взлёту популярности способствовал выход сингла, сразу же вошедшего в десятку лучших – “Lilly Was Here”, саундтрек в дуэте с Dave Stewart.


Название: лпччанол.jpg
Просмотров: 31

Размер: 4.5 Кб


Right In My Soul


Иной артист хочет сделать свое творчество более доступным для публики, а публика (иногда даже - включая самые широкие ее массы), напротив, хочет, чтобы он продолжал ей нести искусство высокого полета. Нет, конечно, далеко не все способны сей полет оценить по достоинству - для многих важнее сладкое чувство "приобщенности к высокому". Так Сара Брайтман и Эмма Шапплин, к примеру, приобщают домохозяек к классике. И почему-то именно их выходящие в плоскость поп-музыки опыты эту категорию слушательниц начинают раздражать: "Что за фигня? Хотим еще "оперных" арий!"
Белобрысая саксофонистка Кэнди Далфер, на счету которой, в частности, сотрудничество с Дэйвом Стюартом и Pink Floyd, примерно так же лечит народ своими сольными опытами в русле аккуратного поп-джаза. Вследствии общения с духовыми инструментами дыхание у дамы поставлено правильно, и голос ее, соответственно, будет посильнее, чем, скажем, у какой-нибудь Ванессы Мэй. И тем не менее с китайской скрипачкой Кэнди роднит проблема выбора между пением и музицированием. Забавно, что преобладания последнего от нее хотят не только домохозяйки.
На новом альбоме Далфер продолжает шлифовать мягкой фланелькой до зеркального блеска свой изысканный приджазованный поп. Разумеется, без легких намеков на эйсид ("Finsbury Park, Cafe 67", "December") и неожиданно высокотехнологичный латино-брасс ("Freak Out", "Let Me Show You") здесь не обходится, хотя строго консервативный традиционный джаз-соул "It's My Life" или мрачноватый фанк "Power To The People" звучат более выигрышно. В номерах вроде "Play A Little Game" Кэнди обращает снисходительный взор на современный "дерганный поп" - и с легкостью переигрывает тинейджеров на их поле. В целом программа звучит гораздо лучше более ранних альбомов Далфер, местами подпорченных гнусноватым евро-поп-саундом, как прическа саксофонистки на их обложках - химией. Баланс между вокалом и инструменталом здесь выдержан весьма удачно, но все-таки чисто инструментальные композиции наподобие той же "Finsbury Park, Cafe 67" звучат более выигрышно, нежели песни.
Так или иначе, музыка Кэнди Далфер - это поп с человеческим лицом, противопоказаний к применению не имеющий. По крайней мере, после прослушивания подобных опусов многие начинают интересоваться и более серьезными формами джаза, а это уже само по себе неплохое достижение.

Дмитрий БЕБЕНИН
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]


[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
Миниатюры
sefon.ru_candy_dulfer_591203736943.jpg   sefon.ru_candy_dulfer_11203736969.jpg  
Изображения
  
Ответить с цитированием
  #74  
Старый 14.07.2008, 11:27
Аватар для haim1961
haim1961 haim1961 вне форума
Администратор
Ветеран форума
 
Регистрация: 29.01.2008
Адрес: Израиль.г Нетания
Сообщений: 2,170
По умолчанию

[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
"Jesus Christ Superstar"

«Евангелию от Иуды» - 30 лет


Несмотря на то, что "мюзикл-варианту" рок-оперы "Иисус Христос Суперзвезда" буквально на днях исполнилось 30 лет, все эти 30 лет большинство любителей музыки считают это произведение первой и самой истинной во всех смыслах рок-оперой - с соответствующим почитанием и обязательным праздничным переслушиванием при свечах. Насчет первой рок-оперы - это, конечно, не совсем правильно: до этого был и рок-мюзикл "Hair", и психоделический мессия "Tommy" от гениальных WHO в 69-м, и "Arthur" KINKS, вышедший тогда же. Но почему-то именно "Jesus Christ Superstar" стала наиболее массово признанной классикой (наверное потому, что была написана классическим автором - и написана здорово!) - то ли из-за изначально мюзиклового оформления (тот же "Томми" записывался не "по-оперному": все партии в первоначальном варианте исполняли сами музыканты, а для Бродвея это чудо догадались адаптировать гораздо позже), то ли из-за наиболее универсальной тематики (собственно говоря, Библия - это и есть первое произведение "world literature", мировой, наднациональной литературы - своеобразный масс-культурный абсолют), то ли из-за музыки, которая теперь уже почти нарицательна. Сейчас мюзикл с диким успехом гастролирует по Англии, его "местные" постановки и количество адаптаций нет смысла считать - в Интернете можно даже найти вариант либретто на украинском. Русский же вариант уже давно "обкатан", пусть и вызывал много противоречий касательно тонкостей художественного перевода, который не должен стеснять вокальных способностей исполнителей.
30 лет - это не дата, это повод. Вспомнить, как все начиналось ("В белом плаще с кровавым подбоем, шаркающей кавалерийской походкой, ранним утром четырнадцатого числа...", стоп, мы метили парочкой тысячелетий позже), посетовать по поводу того, что Леннон так и не сыграл в одноименном фильме (согласно мифологии сказав: "Буду я вашим Иисусом, если сделаете Йоко Марией Магдалиной - режиссер-японофоб рухнул надломленной сакурой и по-самурайски твердо объявил, что он найдет другого Иисуса, не такого...), и вслушаться еще раз в голос молодого Гиллана, восхитительного в своем библейском вопле.
Фактически, "JCS" - это рок-опера о последних семи днях жизни Иисуса. Новаторство (так сказать, в плане формально-литературном) здесь в том, что повествователем является Иуда Искариот (или Judas, как кому удобнее) - получается своеобразное "Евангелие от Иуды", как это не кощунственно звучит. С другой стороны, именно так можно получить довольно нестандартно-объективный взгляд на ситуацию (в экранизации Нормана Джуисона Иуду для пущей блюзовости играет темнокожий актер) - и вызвать шум среди религиозных фанатиков. Как ни странно, религиозных "разборок" практически не было - сам спектакль был достаточно добрым, семейным и лояльным. Центральным духовным конфликтом повествования становится состояние Иуды, который называет себя "жертвой Божьей веры" - ведь, если задуматься, то предательство было необходимо, чтобы Иисус смог умереть и тем самым искупить грехи человечества. Получается, что для осуществления Божьего замысла по спасению наших душ требовалось предательство одного из учеников Христа (причем изначально было понятно, кто его предпримет), и главный вопрос Иуды в данном случае это: "Почему именно я?" (наверное, отсюда баптисты - или кто? - вывели свою умную формулу о том, что каждый человек уже с рождения определен либо в ад, либо в рай... только о месте окончательного прибытия он, естественно, ничего не знает). Тема довольно сложная - а если еще и облечь ее в рок-форму с торжественно-красивой и запоминающейся музыкой - тема становится вечной. Тема судьбы, которую никто не в силах изменить, даже зная, как это можно сделать.
По мнению Иуды, Иисус - обычный человек. Это доказывают и его довольно нежные и странные отношения с Марией Магдалиной, и то, как он теряет контроль в храме, превращенном в нечто рынкоподобное, и яростно всех оттуда изгоняет. Иуда понимает, что Иисус такой же, как и все, и исходя из этого думает, что он опасен, и его надо остановить, в честь чего и выдает местным священникам всю информацию о нем. Потом бедняга понимает, что Бог его обманул, и заставил его стать предателем во имя самого светлого. При всем этом он приходит к резонному выводу, что Иисус останется в памяти как "суперзвезда", а имя Иуды станет мрачноватой метафорой-ругательством. Что было потом - известно.
Данное произведение очень мобильно, нестатично и многообразно - оно как бы скользит во времени, трансформируясь и принимая различные формы. "JCS" нельзя однозначно назвать ни мюзиклом, ни оперой, ни даже фильмом - это одно из постмодернистски-многообразных культурных явлений рок-н-ролльной половины 20-го века. Поэтому стоит равноценно рассказать обо всех его авторах-воплощениях-перерождениях.
Рок-опера
"JCS" как рок-опера далеко не первична. Произведение сэра Эндрю Ллойда Уэббера (автора десятков гениальнейших мюзиклов - "Evita", "Cats", "Phantom Of The Opera") и Тима Райса (он текст написал) изначально было все-таки рок-мюзиклом и только в 70-м году его "альбомная версия" поразила мир, что было довольно-таки неплохим коммерческим шагом, потому как Гиллан... сами понимаете... И еще музыка - джазово-фанковые ритмы, хард-роковый госпел, запоминающиеся темы и вокалы - все это метило в классику. ("Everything's Allright" многими по отдельности воспринимается как чудесная любовная баллада.) В "акустической" роли Иуды был Murray Head, Магдалиной была Yvonne Elliman, которая позже снялась и в фильме. Неудивительно, что альбом возглавлял американские чарты три раза и исправно переиздавался чуть ли ни каждое Рождество...
В чем-то можно сказать, что рок-опера эта - одна из первых удачных попыток синтезировать рок и симфоническую музыку (при записи было задействовано два оркестра - один Лондонский симфонический, второй тоже лондонский, но струнный), а также поп-культуру и классику. Произведение получилось довольно-таки пафосным, но дух у него, как ни странно, по соответствию времени бунтарский - Иуда получается своеобразным представителем потребителя массовой культуры и жертвы истеблишмента, Иисус - соответственно, предстает бунтарем и трагически-эмоциональной фигурой... Церковные организации своим яростно-противленческим вниманием оперу обошли - а некоторые даже одобрили, так что скандала не вышло.
Фильм
Уэббер писал свой мюзикл, заранее исходя из того, что он будет экранизирован, поэтому Норману Джуисону не пришлось тратить много времени на написание сценария. Вначале было решено, что Иисусом будет привычный массовому уху Ян Гиллан, но сам виновник торжества (Гиллан) решил, что он заработает больше денег, если НЕ снимется в фильме (были и другое варианты, но мы их приводить не будем, потому что как все было на самом деле, наверное, даже сам Гиллан уже не понимает). Поэтому на главную роль взяли Теда Нили (Ted Neeley), который тоже был достаточно популярным - потом его даже пробовали побить камнями какие-то малочисленные религиозные группы, расстроенные трогательным фильмом.
Экранизация вышла в 1973-м году. Фильм заранее был обречен на успех - и пусть визуальный ряд иногда радует своей авангардностью, итог - не более, чем красивая и масштабная иллюстрация к рок-опере, где музыка сопровождается соответствующими эпизодами - без подсознательных ассоциаций. Интерпретируется только эмоционально-текстовая сторона музыки - а образы, которые она порождает в сознании как объект абсолютный, остаются за кадром. Если сравнивать это произведение с экранизацией "Томми" Кена Рассела, оно все-таки будет проигрывать, потому как "Томми" - это уже эстетика видеоклипа, это настоящий рок-видео-арт - он более постмодерновый, и если отключить звук, например, он будет иметь точно такой же визуальный эффект: музыку будет несложно представить! Образы же "Иисуса" без музыки становятся нечеткими. Тем не менее, игра актеров и некоторые интересные идеи делают этот фильм достойным самой рок-оперы - и дело даже не в том, что фильм снимался в исторически соответствующих местах, в Палестине.
Увертюра, например, начинается со сцены прибытия актерской труппы в израильскую пустыню, где на крыше огромного автобуса привязан крест - актеры радостно выгружаются из автобуса, галдят - яркие, непонятные - атмосфера типичных хипповских 60-х - потом они переодеваются в костюмы, снимают крест и действие начинается проповедью Иисуса ("Heaven On Their Minds"), где камера, кстати, кое-когда находится на месте взгляда Иуды. Актеры настолько вживались в роль, что некоторые сцены снимались за один дубль - "Pilate's Dream", например. В повествование врываются осколки современности - в храме торгуют вполне новенькими автоматами и прочим современным оружием. Вместо римских легионеров Иуду преследуют милитаристские такие, угрожающие танки времен Второй мировой. А сцена Тайной Вечери, например, пусть композиционно и содрана с картины Да Винчи, подозрительно напоминает коллективный наркоманский трип, когда собирается много народу и кушает ЛСД, а потом радуется жизни и плавненько так улетает под жизнерадостное курлыкание собственных умиротворенных голосов (73-й год все-таки... сами подумайте).
Саундтрек к фильму, конечно же, был записан еще до съемок, но пантомимы с трогательным размахиванием молчаливыми челюстями не было - Нили и Карл Андерсон (Иуда) пели изо всех сил, на самом деле - чтобы войти в то состояние, которые они хотели выразить, чтобы все было по-настоящему. Для той сцены, где Иисус поет на вершине горы, на эту самую вершину долго тащили огромную колонку, потому что Нили не мог петь а капелла, ему нужен был размах и музыка для вдохновения. Довольно интересен в "правдоподобности" конец фильма - сделав свою работу, актеры переодеваются снова, загружаются назад... но Нили, как выясняется, был настоящим Христом, так как он так и остается висеть на кресте на вершине холма.
Мюзикл
Настоящий "взрыв" произошел в 71-м году, когда мюзикл "вышел" на большую профессиональную сцену (если подойти к делу энциклопедически, то 12 октября, в театре Марка Хеллинджера, Нью-Йорк) - почти мгновенно новый мюзикл стал театрально-музыкальной легендой. Как бы то ни было, сравниться с Иисусом по популярности могли, по словам Леннона, только BEATLES... но "битлы" тогда уже развалились, а библейская тема - сами понимаете. Оригинальная идея попала в руки в профессионалам - получилось эмоциональное и душевное произведение, которое потрясает даже в аудиоварианте - что тут говорить о визуальной интерпретации! Первым Иисусом был Джефф Фенхолт (Jeff Fenholt), ранее засветившийся в мюзикле "Hair", через который прошло много рокеров тех времен (если ты пел в "Hair"2
, потом тебя брали практически в любую группу!). Иуду играл Ben Vereen, которым был профессиональным танцором (а не музыкантом, в отличие от Фенхолта), который позже снялся в культовом фильме Роджера Кормана "Gassss".
В Лондоне "обкатка" продукта началась в августе 72-го - тогда Иисусом был феерически-истерический рок-н-ролльный актер Пол Николас. Если вы видели Расселовский "Томми", вы должны помнить кузина Кевина, который избивал беднягу Томми ногами и сталкивал бедного мальчика, больного аутизмом, с лестницы. Так вот это и был Николас. Если вы большой поклонник абсурдно-психоделического искусства Рассела, вы могли видеть еще один его рок-н-ролльный фильм "Листомания" - там Николас замечательно сыграл Вагнера - или же дьявола, что в контексте фильма одно и то же (там такое противостояние "суперзвезды" Ференца Листа и "антихриста" - Рихарда Вагнера). Николас, должно быть, счастлив - за небольшой промежуток времени он побывал и "богом", и "дьяволом".
Перед постановкой недавней, очередной бродвейской версии оперы (1996 год), Эндрю Ллойд Уэббер нашел потрясающий образ для афиши - картину Холбейна с распятием, где Иисус изображен без иконописческого пафоса, а с анатомически-медицинской точки зрения, где в глаза бросается обычная смерть обычного земного человека, со всей ее аномальностью и неэстетичностью. "Вот в этом-то все и дело, - растолковывал Уэббер режиссеру Гэйлу Эдвардсу, - это-то я и хотел сказать, так оно и должно быть!". По его мнению, центральный конфликт оперы - это не отношения Иисуса с вышестоящими (Пилат, например), а отношения Иисуса и Иуды с точки зрения человеческого фактора - оба они инструменты для претворения в жизнь Божьего замысла, у каждого из них своя роль, каждый из них в своем роде жертва. Они как бы инстинктивно понимают друг друга, но не могут облегчить друг другу страдания. А страдают они одинаково.
Помимо этих двух фигур, в мюзикле задействовано 36 актеров - и сложно сказать, что это в первую очередь - танцевально-пластическое шоу или все-таки рок-н-ролльный спектакль с психологическим подтекстом. Наверное, именно поэтому последняя версия мюзикла подразумевает минимум хореографических наворотов, чтобы действие смогло сконцентрироваться на драме (Шекспира! введите Шекспира!) - даже декорации были минимизированы. Новая версия уже являлась в турне по Британии в 98-м и 99-м годах. В феврале этого года началось очередное турне и продолжается до сих пор.
Образ Иисуса трактовался и интерпретировался всеми актерами по-разному (так случается со всей классикой - вспомните хотя бы Гамлетов, каждый из которых уникален и бессмертен!) - в сегодняшней версии, по словам режиссера, отображаются политически-социальные противоречия сегодняшних дней: "Мы иллюстрируем гуманность человека в ситуации, когда политика того, против чего мы выступаем - пропасти между публичной и личной ответственностью - становится на первое место, и когда трагическая человеческая дилемма характеров становится доступной для современной молодой аудитории, чтобы она узнала в этом актуальные силы и власть, которые управляют нашим сегодняшним миром".
Одна из Лондонских газет написала об этой версии: "Так же потрясающе, как и всегда - и так же правдиво. Только темнее и мрачнее, чем оригинал - эта версия избавлена от глянца и мишуры и сконцентрирована на эмоциях".
Как мы видим, обычная и красивая поп-вещь трансформировалась в универсальную и практически вечную драму с экстатической музыкой и актуальными идеями. Для рок-н-ролла это не удивительно, потому что он всегда был очень театральным, и принцип "делать шоу" усвоили еще молодые "битлы" в 60-м году, когда еще не знали, кем они станут, но очень хотели хорошо одеваться и пить дорогие напитки. Для мюзикла это тоже нормально - он переведен на кучу языков, довольно массивно сейчас гастролирует его русскоязычный вариант. Возможно, дело тут в том, что самая универсальная музыка сливается с самой универсальной Книгой - ведь музыка так или иначе считается околорелигиозным опытом, способным очищать сознание и душу.
На историю рок-музыки "JCS" уже оказал должное влияние (она его отблагодарила косвенным образом - Эндрю Ллойд Уэббер стал обладателем трех "Грэмми", почетной фигурой "Зала славы рок-н-ролла" и "сэром" - это если не считать театральных наград, которых было немерено!) - арии-песенки постоянно кто-нибудь перепевает, а Мэрилин Мэнсон, например, вдохновленный, создал свою интерпретацию - "Antichrist Superstar", там даже сюжетец немножко похож... (вот на него-то церковь и накинулась, хотя логика в идеях Мэнсона есть - если один - суперстар, то и другой тоже должен им быть, иначе не было бы противостояния добра и зла, и мы все бы куда-нибудь сгинули). Но, думается, что в честь тридцатилетия проще не расслюнявливать рассуждениями и тостами многократно исслушанный шедевр, а монументально усилить эту многократность и громко-громко переслушать диск (кассетку, пластиночку) - или пересмотреть фильм, или даже перечитать Новый Завет... А как оно все было на самом деле, знает один лишь Леннон (по грустным и понятным причинам) да главный герой этого повествования, который на самом деле "суперстар".

Татьяна ЗАМИРОВСКАЯ
особая благодарность сайту
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]

[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
Миниатюры
jesus_christ_superstar1_medium.jpg   Jesus_Christ_Superstar_2000.jpg  
Изображения
 
Ответить с цитированием
  #75  
Старый 14.07.2008, 12:17
Аватар для haim1961
haim1961 haim1961 вне форума
Администратор
Ветеран форума
 
Регистрация: 29.01.2008
Адрес: Израиль.г Нетания
Сообщений: 2,170
По умолчанию

IAN GILLAN



[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]

Иэн Гиллан родился 19 августа 1945 г. в Хаунслоу, Миддлсекс, Великобритания. Там же начал выступать в любительской группе The Moonshiners затем перебрался в The Javelins, часто выступая под псевдонимами (Garth Rockett, Jess Thunder, Jess Gillan). Профессиональную карьеру начал в 1965 г. в группе Episode Six, где встретился с Роджером Гловером. Летом 1969 г. был приглашен в Deep Purple. В октябре 1970 г. записал прославленную партию Иисуса Христа в рок-опере "Jesus Christ Superstar" (по легенде всего за 3 часа). Покинув в результате конфликта Deep Purple в 1973 г. пытался посвятить себя бизнесу (производство мотоциклов, студия звукозаписи, отель), но - безуспешно. В 1975 -82 г.г. вел интенсивную концертную деятельность и выпустил богатую дискографию в рамках проектов Ian Gillan Band и Gillan. В течение двух лет работал с Black Sabbath, с которыми записал альбом "Born Again". В 1984 г. стал инициатором воссоединения Deep Purple в классическом составе. В 1988 г. совместно с Р. Гловером выпустил новаторский альбом "Accidentally on Purpose". Покинул Deep Purple со скандалом в 1989 г. В том же году создал группу, которой дал старое название Garth Rockett & the Moonshiners и впервые совершил памятное турне по СССР. В 1990 г. принял участие в записи сингла "Smoke on the water" в пользу жертв землетрясения в Армении (1988 г.). В этом проекте также приняли участие: Ричи Блэкмор(Ritchie Blackmore), Джон Лорд (Jon Lord), Брайан Адамс (Bryan Adams), Джеф Бошам (Geoff Beauchamp), Брюс Дикинсон (Bruce Dickinson), Джеф Даунс (Geoff Downes), Кит Эмерсон (Keith Emerson), Дэвид Гилмор (David Gilmour), Джон Пол Джонс (John Paul Jones), Тони Айоми (Tony Iommi), Алекс Лайфсон (Alex Lifeson), Брайан Мэй (Brian May), Пол Роджерс (Paul Rodgers), Крис Сквайр (Chris Squire), Роджер Тэйлор (Roger Taylor). В 1991 г. выпустил очередной сольный альбом "Tool Box" под маркой Gillan. В 1992 г. возвратился в Deep Purple. В 1993 г. издал автобиографическую книгу "Child In Time" (переиздана в октябре 1998 г.). В 1996 г. выпустил сингл "Smoke On The Water" в рэп-аранжировке, в 1997 г. - в сотворчестве с гитаристом Стивом Моррисом (Steve Morris) (не путать со Стивом Морсом!) сольный альбом "Dreamcatcher". Один из хитов этого альбома был размещен на сайте Гиллана Интернете (задолго до аналогичного и разрекламированного опыта Д. Боуи). В сентябре 1999 г. Гиллан принял участие в юбилейном, 30-летнем "Концерте для группы с оркестром" и последовавшем в 2000 г. межконтинентальном турне с симфоническими оркестрами. 29 мая 2001 г. в Модене, Италия, в рамках музыкального фестиваля "Pavarotti and Friends", организованного в помощь детям Афганистана, Иэн Гиллан исполнил дуэтом с Лучано Паваротти арию "Nessun Dorma". Осенью 2001 г. Гиллан вновь поместил на своем сайте в интернете трек, записанный вместе со Стивом Моррисом, который возможно является предвестником будущего сольного альбома. В декабре 2001 г. принадлежащая Иэну Гиллану престижная музыкальная премия была продана на аукционе в пользу Фонда помощи детям, страдающим хроническим артритом.

Дискография:

IAN GILLAN

1. Child In Time - 1976 [под названием lan Gillan Band]
2. Clear Air Turbulence - 1977 [под названием Ian Gillan Band]
3. Scarabus - 1977 [под названием Ian Gillan Band]
4. Live At Budokan Vol. I - 1978 [Под названием Gillan] [концертный]
5. Live At Budokan Vol. 2 - 1978 [Под названием Gillan] [концертный]
6. Mr Universe - 1979 [Под названием Gillan]
7. Gillan - 1979 [Под названием Gillan] [сборник]
8. Glory Road - 1980 [Под названием Gillan]
9. Future Shock - 1981 [Под названием Gillan]
10. Double Trouble - 1981 [Под названием Gillan] [2 LP]
11. No Laughing In Heaven - 1981 [Под названием Gillan] [2 LP]
12. Magic - 1982 [Под названием Gillan]
13. What I Did On My Vacation - 1986 [Под названием Gillan] [2 LP - сборник]
14. Naked Thunder (Teldec/EastWest) - 1990 [Под названием Gillan]
15. Toolbox (EastWest) - 1992 [Под названием Gillan]
16. The Best Of (EastWest) - 1993 [Под названием Gillan]

17. Accidentally On Purpose - 1986 [ С Р.Гловером]
18. South Africa - 1988[сингл]
19. Live At Reading '80 (Raw Fruit) – 1990
20. The Best Of Ian Gilan (EastWest) – 1993
21. The Gillan Tapes - Volume I (Angel) - 1997

[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]

When a Blind Man Cries - Ian Gillan

[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]


Luciano Pavarotti - Nessun Dorma with Ian Gillan

[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]

GILLAN - Mr Universe

[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]

********************
Миниатюры
220px-Gillan11.jpg   27766.jpg   180px-Gillan_tbilisi_02.jpg   250px-Ian_Gillan_playing_air_guitar.jpg  

Ответить с цитированием
  #76  
Старый 16.07.2008, 13:19
Аватар для haim1961
haim1961 haim1961 вне форума
Администратор
Ветеран форума
 
Регистрация: 29.01.2008
Адрес: Израиль.г Нетания
Сообщений: 2,170
По умолчанию

Stan Getz

Название: is.jpg
Просмотров: 25

Размер: 3.0 Кб
Настоящее имя: Стэнли Гетц (Stanley Getz) Дата рождения: 2 февраля 1927, в Филадельфии, штат Пенсильвания, США Дата смерти: 6 июня 1991 в Малибу, штат Калифорния Жанр: Jazz Стиль: Bossa Nova, Cool Инструменты: Саксофон (Тенор) Фирмы звукозаписи: Verve (64), Roost (13), Concord Jazz (8), Columbia (8), Norgran (7), Prestige (6), Polygram (6)

Один из величайших саксофонистов всех времен, Стэн Гетц получил прозвище "The Sound" ("Звук"), потому что он извлекал из своего инструмента самые красивые звуки из когда либо слышанных в джазе. Гетц, на которого в молодости оказал большое влияние Лестер Янг, в дальнейшем сам стал основным законодателем мод и никогда не останавливался в своем развитии. Гетца играл во многих известных биг бэндах еще в юном возрасте, до момента призыва в армию во время 2-й Мировой Войны. Он играл с Джеком Тигарденом (1943), когда ему было всего 16 лет, и во время прохождения службы он играл в оркестрах Стэна Кентона (1944-45), Джимми Дорси (1944-45г. г.) и Бенни Гудмена (1945-46 г. г.). Он солировал на нескольких записях оркестра Бенни Гудмена. Его дебют в качестве лидера состоялся в июле 1946 года. Но он приобрел известность в составе оркестра Вуди Германа (1947-49), где он солировал (вместе с такими будущими знаменитостями как Зут Симс, Херби Стюард и Серж Шалофф) при исполнении оригинальной версии "Four Brothers" и обрел свое собственное неповторимое звучание, которое прекрасно иллюстрируется балладой "Early Autumn". После того как он покинул оркестр Германа, он оставался лидером (если исключить некоторые выступления с филармоническими оркестрами) всю оставшуюся жизнь. В начале 50-х Гетц отказался от исполнительского стиля Лестера Янга и пошел по пути обретения собственного музыкального стиля, и вскоре он стал одним из самых известных джазменов. Он открыл Хораса Силвера в 1950 году и пригласил его свой квартет на несколько месяцев. После турне по Швеции в 1951 он сформировал интереснейший квинтет, в котором впервые появился гитарист Джимми Рэйни. Их совместное исполнение баллад стало весьма запоминающимся. Исполнительское мастерство Гетца помогло Джонни Смиту сделать его хит "Moonlight in Vermont", в 1953-54 годах Боб Брукмейер создал свой квинтет и, несмотря на проблемы связанные с употреблением наркотиков, в этот период Гетц постоянно оставался для них "палочкой - выручалочкой". После проведенных 2-х лет в Европе (1958-60), "тенор-мен" вернулся в Штаты и записал свой персонально любимый альбом "Focus" с аранжировками Эдди Сауэтера. Затем в феврале 1962 Гетц возвестил о наступлении эры босса нова в совместной записи "Jazz Samba" с Чарли Бердом. Их исполнение "Desafinado" стало настоящим хитом. В течение следующего года Гетц сделал несколько изумительных проектов в стиле босса - нова с оркестром Гари Макфарленда, Луисом Бонфа и Лауриндо Алмейда, но альбом Getz/Gilberto (в сотрудничестве с Антонио Карлосом Жобимом и Жоао Джильберто) стал настоящим бестселлером благодаря композиции "The Girl from Ipanema". Стэн Гетц мог бы легко "зависнуть" только на босса нове в течение последующих лет, но вместо этого он перенес акцент на другие музыкальные формы. Его дежурной группой в это время стал квартет с вибрафонистом Гари Бартоном, он записывался с Биллом Эвансом (1964), играл в 1965 году с Эдди Саутером на саундтреке к фильму "Mickey One" и создал классический альбом "Sweet Rain" (1967) с Чиком Кориа. Хотя не все альбомы Гетца, записанные с 1966 по 1980 годы столь впечатляющие, но он продемонстрировал, что готов экспериментировать с любыми музыкальными формами. "Dynasty" с органистом Эдди Луисом (1971), "Captain Marvel" с Чиком Кориа и "The Peacocks" с Джимми Роуэлом - лучшие записи этого периода. После ухода из квартета пианистки Джоан Брэкин в 1977 году, Гетц погрузился в аспекты стиля фьюжн вместе с новым составом, в который он пригласил пианиста Энди Лаверна. Многим поклонникам это не совсем понравилось. Однако пуристы успокоились, когда он подписал контракт с фирмой "Конкорд" в 1981 году и стал выступать и записываться с более традиционным акустическим трио. В последние годы Гетц включал в составы пианистов Лу Леви, Митчелла Формана, Джима Макнилли и Кенни Бэрона. Его последняя запись в 1991 "People Time" - это восхитительный дуэт с Бэроном. На всем протяжении своей музыкальной карьеры Стэн Гетц выступал в качестве лидирующего исполнителя для Savoy, Spotlite, Prestige, Roost, Verve, MGM, Victor, Columbia, Steeple Chase, Concord, Sonet, Black Hawk, A&M и EmArcy и существуют десятки заслуживающих внимания превосходных записей.

Похожие исполнители: Serge Chaloff, Al Cohn, Paul Desmond, Buddy Tate, Ben Webster, John Coltrane, Paul Gonsalves, Joao Gilberto, Dexter Gordon, Gerry Mulligan

Корни и влияние: Herbie Steward, Charlie Parker, Lester Young, Zoot Sims

Последователи: Phil Bodner, Pete Christlieb, Allen Eager, Virgil Gonsa lves, Joe Holiday, Bobby Jaspar, Richie Kamuca, Gil Melle, Ted Nash, Nick Nicholas, Bill Perkins, Ike Quebec, Jerome Richardson, Buddy Tate, Phil Urso, Jerry Coker, John Coltrane, Benny Golson, Frank Socolow

Исполнял композиции: Antonio Carlos Jobim, Richard Rodgers, George Gershwin, Ira Gershwin, Vinнcius DeMoraes, Lorenz Hart, Eddie Sauter, Johnny Burke, Jerome Kern, Luiz Bonf, Johnny Mercer, Norman Gimbe, Duke Ellington, Oscar Hammerstein II, James VanHeusen, Gene LeesGigi, Gryce Newton, Mendonca, Cole Porter

Cотрудничество: Ray Brown, Norman Granz, Creed Taylor, Oscar Peterson, Herb Ellis, Ron Carter, Antonio Carlos Jobim, Shelly Manne, Grady Tate, Ella Fitzgerald, Stan Levey, Jim Hall, Gary Burton, Roy Haynes, Woody Herman, J. J. Johnson, Chick Corea, Lou Levy, Jimmy Raney

[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]. dp. ua/performers/1298/info/


[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
Миниатюры
artist.jpg   getzfoto.jpg  
Изображения
    
Ответить с цитированием
  #77  
Старый 16.07.2008, 17:34
Аватар для haim1961
haim1961 haim1961 вне форума
Администратор
Ветеран форума
 
Регистрация: 29.01.2008
Адрес: Израиль.г Нетания
Сообщений: 2,170
По умолчанию

VIRGIL DONATI:

НЕТ ПРЕДЕЛА СОВЕРШЕНСТВУ!



[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]

Всем барабанщикам, кто когда-нибудь держал в руках палочки,
хочется проявить себя в более скоростной игре, инновационном
использовании инструмента, более сложных размерах и ритмах,
более творческом подходе к инструменту и вообще, проявить себя
как творческую личность, но немногие внесли такой вклад в этот
инструмент и его звучание как Virgil Donati.

Virgil'a Donati на его родном континенте Австралии знают
как лучшего сессионного и концертного барабанщика, участника
фьюжн-групп "Loose Change" и "On The Virg", создателя рок-группы
"Southern Sons and Taste" и многими турне с другими австралийскими
и мировыми группами Branford Marsalis, George Cables, Mark Murphy и
многими другими.

После переезда в Соединенные Штаты, Virgil играл в таких коллективах как "Planet-X", в группе гитариста Стива Вэя - "Steve Vai Band" , "Freakhouse", "Tribal Tech","CAB", "Ring On Fire", в соло-проектах экс-клавишника Dream Theater Дерека Шериниана, Стива Уолша, Марка Боалса и еще многих других. Он ездит по всей стране и дает мастер-классы, а также работает с многими Лос-анджелесскими студиями консультируя их в настройке звучания ударных инструментов.

Непреодолимая тяга к инструменту у Вирджила зародилась еще в детском возрасте, и родители всячески это приветствовали. Еще за месяц до своего третьего дня рождения, он получил в подарок от родителей свою первую ученическую барабанную установку, и это стало отправной точкой всей его жизни которую он решил посвятить именно этому инструменту. Пройдя сквозь годы практики и постоянного экспериментирования со звуком своего инструмента, Вирджил добился своего неповторимого звучания и техники.

Вирджил известен среди барабанщиков как технический виртуоз, развив невероятную скорость и гибкость (при игре традиционной захватом), мастер игры "ломаных" ритмов и размеров, а также своей метрономической точностью. Но до сих пор для всех остается тайной техника игры ногами Вирджил. Развив невероятную скорость в игре одиночными и двойными ударами по бас-барабану, Вирджил доказал всем, что ноги умеют играть все то, что играют руки. Он способен держать ритм ногами сочетающий в себе быстрые, синкопированные форшлаги и ролы, сопровождая все это невероятным солированием руками.

По материалам интернет сайтов.
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
Миниатюры
virgildonatiport.jpg   virgildonati2.jpg   иииьрл.jpg   трнгшщшд.jpg  

Ответить с цитированием
  #78  
Старый 17.07.2008, 17:47
Аватар для haim1961
haim1961 haim1961 вне форума
Администратор
Ветеран форума
 
Регистрация: 29.01.2008
Адрес: Израиль.г Нетания
Сообщений: 2,170
По умолчанию

Mark Knopfler


[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]

Марк Нопфлер родился 12 августа 1949 года в Глазго в Шотландии. Отец Марка, архитектор по профессии, был выходцем из Венгрии, бежавшим в Великобританию от фашистского режима в 1939 году. Когда Марку было около семи лет, его семья переехала в Ньюкасл-эпон-Тайн на северо-востоке Англии, где он вместе с младшим братом Дэвидом начали учиться в Госфортской средней школе. Начав осваивать гитару, Марк в конце концов уговорил родителей выделить ему деньги на покупку своего первого настоящего инструмента. Им стал "Хофнер Супер Солид", который он приобрел за пятьдесят фунтов. Набираясь опыта в школьных группах, он внимательно изучал манеру игры самых разных гитаристов - от легендарного джазового музыканта Джанго Рейнхардта до Скотти Мура из группы Элвиса Пресли. Позднее пришло увлечение музыкой недавно появившегося в Великобритании Джимми Хендрикса и знаменитого американского блюзмена Би Би Кинга, а также еще одного блюзового музыканта - Лонни Джонсона от которого Марк перенял технику игры пальцами (фингерпикинг), без использования медиатора, что в дальнейшем заметно повлияло на его индивидуальную манеру исполнения. Будучи от рождения левшой, он, тем не менее, не стал переставлять струны и зажимать их на грифе правой рукой, подобно другим музыкантам-левшам (Маккартни, Хендрикс), а освоил стандартную постановку рук.

По окончании школы, в 1967 году Марк отправился учиться на журналиста в технический колледж Харлоу. Отучившись курс, он нашел работу в Лидсе, в редакции газеты "Йоркшир Ивнинг Пост". Получив место музыкального обозревателя, он вскоре познакомился с местным блюзовым певцом и гитаристом Стивом Филлипсом, с которым начал выступать дуэтом в свободное от работы время. Спустя два года Нопфлер поступил в Лидский университет на отделение английского языка. Он продолжал работать репортером (одним из последних написанных им для газеты материалов был некролог Джимми Хендрикса), совмещая работу с занятиями в университете и выступлениями в местных клубах. Окончив университет в 1973 году, Нопфлер решил попытать счастья на столичной музыкальной сцене и переехал в Лондон, где в течение нескольких месяцев играл в блюзовой группе "Brewers Droop". В состав группы также входил Дейв Эдмундс, которому в дальнейшем было суждено прославиться как исполнителю рок-н-роллов. Записав один альбом, "Brewers Droop" прекратили свое существование и Марк отправился в Эссекс, где на протяжении двух лет зарабатывал на жизнь тем, что читал лекции в колледже Лафтон и время от времени давал уроки игры на гитаре.

Живя в Эссексе, Марк вместе с приятелями из колледжа собрал группу "Cafe Racers". Изредка он музицировал вместе со своим жившим в Лондоне братом Дэвидом, который, как и он играл на гитаре, и как-то раз выступил на сцене вместе с его другом, бас-гитаристом Джоном Иллсли. В апреле 1977 года Марк перебрался к ним в Лондон, и они приступили к совместным репетициям. Немного позднее к ним присоединился барабанщик Пик Визерс, который и придумал название для новорожденной группы - "Dire Straits". В новой группе Марк стал полноправным лидером - вокалистом, ведущим гитаристом, а также автором всех исполняемых ими песен. Они сделали несколько демонстрационных записей, среди которых была и прославившая их песня "Sultans Of Swing". Записи попали к работавшему на Би-Би-Си диск-жокею Чарли Джиллету, который начал проигрывать "Sultans Of Swing" в своей передаче. Группу заметили, и вскоре "Dire Straits" подписали контракт с фирмой "Vertigo" (в Соединенных Штатах их взяли под свое крыло "Warner Brothers").

Популярность пришла к группе сразу же с выходом первого альбома "Dire Straits" (1978) - "Sultans Of Swing" заняла на родине музыкантов пятое место, а сам альбом прочно обосновался как в британских, так и в американских чартах. Подобный же успех ожидал и их следующие работы "Communique" (1979), "Making Movies" (1980) и "Love Over Gold" (1982). Несмотря на то, что группа в своем творчестве опиравшаяся прежде всего на традиционный рок и ритм-энд-блюз, в музыке которой явно прослеживались самые разные влияния - от Боба Дилана до Джей Джей Кейла, появилась на британской музыкальной сцене в самый разгар панка и новой волны, высокое исполнительское мастерство, а также несомненный талант Нопфлера как автора песен, позволили им добиться широкого признания вне зависимости от быстро сменяющих друг друга модных тенденций в популярной музыке. После того как Дэвид Нопфлер ради сольной карьеры покинул группу, успев записать с ними два альбома, состав "Dire Straits" неоднократно менялся и неизменными участниками коллектива оставались лишь сам Марк и басист Джон Иллсли.

В 1985 году "Dire Straits" выпустили свой самый известный альбом "Brothers In Arms", который стал абсолютным бестселлером по обе стороны Атлантики и перевел их в разряд звезд мирового уровня, легко собиравших многотысячные аудитории на своих концертах. Четыре песни с этого альбома - открывавшая его, очаровательная в своей простоте "So Far Away", проникновенная баллада "Brothers In Arms", легкая, сыгранная в ритме буги "Walk On Life", а также жесткая и язвительная "Money For Nothing", высмеивавшая бессмысленность поп-индустрии, стали мегахитами и вошли в золотой концертный фонд группы, наряду с их лучшими песнями прежних лет. Неотъемлемой частью музыкальной палитры группы на всем протяжении ее существования была гитара Марка Нопфлера, который прославился своей выразительной и очень прочувствованной, лирической манерой игры. В то же время он всегда был способен выдавать резкие, запоминающиеся гитарные риффы в лучших традициях классического рока, как например, в "Money For Nothing". Зачастую, солируя, он заставлял свой инструмент звучать как второй голос, который вступал в своеобразную перекличку с его низким хрипловатым вокалом, чем-то напоминавшим Боба Дилана.

После выхода "Brothers In Arms" группа много гастролировала по всему миру, и в 1988 году вскоре после знаменитого концерта на Уэмбли в поддержку Нельсона Манделлы, музыканты временно разошлись, занявшись сольными проектами. В 1990 году Нопфлер выпустил совместный альбом в стиле кантри с известным американским гитаристом Четом Эткинсом "Neck And Neck". В том же году вместе с группой "The Notting Hillbillies", в которую входили его старый приятель Стив Филлипс и игравший на клавишных в "Dire Straits" с 1985 года Гай Флетчер, он записал альбом "Missing... presumed having a good time", также отмеченный сильнейшим влиянием традиционной американской музыки. Собственно, ни тот, ни другой проект не были первыми самостоятельными работами Марка, сделанными им вне "Dire Straits" - еще в 1982 году он написал музыку к фильму режиссера Билла Форсайта "Местный герой", и в дальнейшем еще неоднократно выступал в качестве композитора в таких картинах как "Кэл" (1984, реж. Пэт О'Коннор), "Комфорт и радость" (1984, реж. Билл Форсайт), "Принцесса - невеста" (1987, реж. Роб Райнер), "Последний поворот на Бруклин" (1989, реж. Ули Эдель) и "Плутовство" (реж. Барри Левинсон). Все эти киноработы выходили под его именем в качестве альбомов.


По материалам интернет сайтов.

[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
Миниатюры
3eca6d44d432deb4ce98569c7320963a.jpg   309810.jpg   dire_straits.jpg   mark_knopfler_13.jpg  

Ответить с цитированием
  #79  
Старый 18.07.2008, 12:37
Аватар для haim1961
haim1961 haim1961 вне форума
Администратор
Ветеран форума
 
Регистрация: 29.01.2008
Адрес: Израиль.г Нетания
Сообщений: 2,170
По умолчанию

John CAMPBELL

20 января 1952, Шреверпорт, Луизиана

- 13 июня 1993, Нью-Йорк, Нью-Йорк.

[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
Джон КЭМПБЕЛЛ - американский блюзовый певец, гитарист; белый музыкант, создавший ярко-индивидуальный авторский блюзовый стиль, продолжая на современной сцене Нью-Йорка давние традиции блюзмэнов Дельты Миссиссиппи: музыкальные (Чарли Пэттона (Charlie Patton)), и мистические (Роберта Джонсона (Robert Johnson)).
Не путать с джаз-блюзовым пианистом Джоном Кэмпбэллом, выпустившем альбом в 1993г. на Concord Records.

Подростком, пытаясь на автомашине уйти от полицейской погони, попал в автокатастрофу, в результате которой потерял одни глаз и на несколько месяцев оказался прикован к больничной койке. Еще в детстве Джон Кэмпбэлл пробовал играть на гитаре, однако только в эти несколько месяцев, благодаря внезапному одиночеству тяжелобольного, он впервые серьезно занялся музыкой. Более всего его увлек блюз. Полтора десятка лет затем он выступал в небольших клубах и "заведениях с музыкой" родного штата и соседнего Техаса, избегая столиц. Но именно на провинциальной сцене он мог познакомиться со многими выдающимися "вечногастролирующими" блюзмэнами. Поддавшись в конце-концов их уговорам, решает испытать судьбу и в 1985г. переезжает в Нью-Йорк, где также продолжает выступления на клубном уровне, иногда открывая выступления ветеранов чикагского блюза, таких как Джимми Роджерс (Jimmie Rogers), Хьюберт Самлин (Hubert Sumlin), или Пайнтоп Перкинс (Pinetop Perkins). Но чаще ему приходится работать не в клубах и залах, а на перекрестках нью-йоркских улиц и в переходах сабвея. С успехом он представил сольную акустическую программу на традиционалистическом Mississippi Delta Blues фестивале. В одном из нью-йоркских клубов Джон Кэмпбэлл встретил признанного лидера нью-йоркского блюза 80-х, гитариста-виртуоза Ронни Ирла (Ronnie Earl), участника известных групп "Фабьюлос Сандербердз" (Fabulous Thunderbirds) "Румфул Оф Блюз" (Roomful Of Blues). Игра Джона Кэмпбэлла произвела столь сильное впечатление, что Ронни Ирл решился профинансировать и спродюссировать запись его дебютного альбома, которая была сделана в 1988г. за два дня в маленькой провинциальной студии; при участии самого Ронни Ирла, как гитариста и продюсера, и Джерри Портного (Jerry Portnoy), губная гармоника, участника блюзбэнда Мадди Уотерса. Р.Ирл поместил в альбом запись разговора в студии, когда Джон Кэмпбэлл спрашивает у него, стоит ли ему вообще продолжать карьеру музыканта. Дебютный альбом вышел крохотным тиражом на независимой немецкой фирме и практически не имел распространения в США. Джон Кэмпбэлл вернулся выступать в клубы Нью-Йорка, пока три года спустя на его творческом пути не встретился следующий популярный музыкант, загоревшийся желанием популяризировать его творчество. Им оказался композитор и продюссор Деннис Уокер (Dennis Walker), известный как "автор успеха" Роберта Крея (Robert Cray). Репутация Денниса Уокера обеспечила Джону Кэмпбэллу контракт на запись альбома для мэджор-фирмы "Электра" (Electra). Большинство песен этого альбома 1981г., который американская публика сочла "дебютным", написаны Джоном Кэмпбэллом в соавторстве с Денисом Уокером и записаны под аккомпанемент участников блюзбэнда Роберта Крея, чья музыка очевидно является полной противоположностью музыке Джона Кэмпбэлла. Но даже если антураж не везде соответствует, личность Джона Кэмпбэлла остается бесспорной доминантой альбома: его странные песни переносят в рок-формат глубокий ритмический пульс дельта-блюзов, хриплый рыкающий голос возвращает из глубин блюзовой истории тени Чарли Пэттона и Хаулин Вулфа (Howlin' Wolf), а песни затрагивают весь парадоксально широкий круг тем городской жизни от шаловливого разговора по телефону с подружкой до терроризма, случайными жертвами которого становятся играющие дети; от ночные круизов по городе на мотоцикле до мольбы о единственном верующем. Альбом "Единственный верующий" принес первый успех. Следующий альбом "Воя о пощаде" был готов полтора года спустя. И, хотя Деннис Уокер по-прежнему остался соавтором большинства песен и продюссором на его записи, эта работа уже представляет полностью самостоятельное произведение Джона Кэмпбэлла, записанное при поддержке музыкантов его новой группы. Являясь приверженцем акустического гитарного звучания, Джон Кэмпбэлл оставил на свою долю более традиционные стили игры: "слайд" и "нэшионал-стил" - передав функции лидер-электрогитары молодому музыканту Зондеру Кеннеди (Zonder Kennedy), чья игра полностью соответствовала "сумрачному духу" его блюзов.

Альбом имел еще больший успех, чем предыдущий. Но летом того же года Джон Кэмпбэлл скончался от сердечного приступа, не успев полностью раскрыть все возможности своего таланта.

Отдав четверть века блюзу, Джон Кэмпбэлл лишь на два года обрел действительно широкую известность и признание, оставив после себя только три альбома. Однако этого оказалось достаточно, чтобы утвердить в истории жанра его глубоко индивидуальное понимание и исполнение блюза.
ВЭБ™'99

Tyler Texas Session - лимитированное издание записи сольного акустического концерта.
Дискография:
* A Man And His Blues (CrossCut LP, 1988)
* One Believer (Electra/Warner CD, 1991)
* Howlin' Mercy (Electra/Warner CD, 1991)
* Tyler, Texas Session (Sphere Sound Records)

[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]


[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
Миниатюры
ww_CampbellJ-c.jpg  
Ответить с цитированием
  #80  
Старый 18.07.2008, 12:50
Аватар для haim1961
haim1961 haim1961 вне форума
Администратор
Ветеран форума
 
Регистрация: 29.01.2008
Адрес: Израиль.г Нетания
Сообщений: 2,170
По умолчанию

Ruth BROWN

30 января 1928, Портсмут, Верджиния

- 17 ноября 2006, Лос-Вегас, Невада

Название: прпор.jpg
Просмотров: 19

Размер: 2.3 Кб

Рут БРАУН - Американская ритмэндблюзовая певица.


Начала петь в церковном хоре, которым руководил ее отец. В середине 40-х начала профессиональную карьеру солисткой оркестра Лаки Миллиндера (Lucky Millinder). В 1948г. подписала контракт с новой тогда фирмой Атлантик (Anlantic). Второй ее сингл "So Long" в 1950 возглавил ритмэндблюзовый хит-парад. И до 54 года еще несколько песен в ее исполнении достигали #1. Благополучно перенесла воцарение рок-н-ролла, была звездой нескольких шоу-программ Алана Фрида (Alan Freed). Выступала в бродвейских мюзиклах, в 1980 удостоена театральной награды Томми (Tommy). Альбом 1989 принес ей Грэмми (Grammy) за лучший женский джазовый вокал. В 1993 ее имя внесено в Зал славы Рок-н-ролла (Rock-N-Roll Hall of Fame). Неоднократный лауреат премий имени В.К.Хэнди. В 1996 вышла ее автобиография Miss Rhythm Sings the Blues. Браун виртуозно владеет своим сильным голосом, может петь нежно, сентиментально, или хрипло и энергично, а заразительный юмор, с которым она ведет концерты, позволяет ей легко устанавливать контакт с публикой.
ВЭБ™'99
Где-то в Северной Европе, в 1980г. photo by ©Ingemar Naas 1980

Дискография:
* ROCKIN' IN RHYTHM (записи 1949, 1956 и 1959) (Rhino CD, 1996)
* FINE BROWN FRAME (1969) (переиздано на CD Capitol/EMI Records в 1993)
* HAVE A GOOD TIME (Fantasy CD, 1988)
* BLUES ON BROADWAY (Fantasy CD, 1989)
* MISS RHYTHM (Rhino Records 2CD, 1989)
* FINE & MELLOW (Fantasy CD, 1991)
* SONGS OF MY LIFE (Fantasy CD, 1993)
* TAKIN' CARE OF BUSINESS (Mr. R & B CD, 1994)
* BLACK IS BROWN & BROWN IS BEAUTIFUL (DCC Jazz CD, 1995)
* LIVE IN LONDON (Jazz House (Magnum) CD, 1995)
* R & B=RUTH BROWN (Bullseye Blues CD, 1997)
* A GOOD DAY FOR THE BLUES (Bullseye Blues CD, 1999)

[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]


[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
[Только зарегистрированные пользователи могут видеть ссылки. Нажмите Здесь для Регистрации]
Миниатюры
ww_BrownR.jpg  
Изображения
  
Ответить с цитированием
Ответ

Метки
ансамбли., блюз, группы, джаз, джаз-рок, исполнители, история джаза, композиторы, рок


Здесь присутствуют: 1 (пользователей: 0 , гостей: 1)
 
Опции темы

Ваши права в разделе
Вы не можете создавать новые темы
Вы не можете отвечать в темах
Вы не можете прикреплять вложения
Вы не можете редактировать свои сообщения

BB коды Вкл.
Смайлы Вкл.
[IMG] код Вкл.
HTML код Выкл.

Быстрый переход

Эл. почта администратора: - Главный сайт Шансон - Портала - Архив - Вверх

Внимание! Администрация Шансон – Портал – форума не несет ответственности за сообщения, размещенные участниками форума и за высказанные мнения в этих сообщениях. Так же администрация форума не несет ответственности за размещенные участниками форума ссылки, на какие либо материалы, расположенные на других Интернет ресурсах. Тем не менее, если Вы являетесь правообладателем материала, на который есть ссылка в каком либо сообщении Шансон – Портал – форума и считаете, что этим нарушены Ваши авторские или смежные права, сообщите пожалуйста администрации форума. Мы в кратчайшие сроки готовы удалить сообщение со ссылкой на Ваш материал, при предъявлении прав на указанный материал. Пожалуйста используйте форму обратной связи.

Powered by vBulletin® Version 3.8.4
Copyright ©2000 - 2020, Jelsoft Enterprises Ltd. Перевод: zCarot
© Шансон - Портал - Все права защищены

Подпишитесь на нашу ленту новостей